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Une petite escapade tout le long du cours de l'Hérault qui nous a amené au Moulin de Bertrand. Ce moulin à eaux se trouve en amont du Pont de l'Hérault en direction du Causse-de-la-Selle.

"C'est en allant vers la mer que le fleuve reste fidèle à sa source."
Jean Jaurès, homme politique français (1859-1914)

La source de l'Hérault naît au Mont Aigoual à 1288 mètres d'altitude. C'est un fleuve capricieux qui est sujet à des fortes augmentations de débit avec les pluies d'automne. En moins de 10 km, il chute de 1000 mètres d'altitude, au niveau de Valeraugue.

Capricieux avec ses épisodes cévenols, mais aussi impétueux, car des monts calcaires jurassiques jusqu'à nos garrigues du Causse-de-la-Selle, il entraîne des fortes crues qui érodent la roche pour former des gorges. Les gorges sont de plus en plus serrées et deviennent spectaculaire au niveau du Pont du Diable à Saint-Guilhem-le-Désert.

Au niveau du Pont du Diable, les eaux bouillonnent dans des marmites de géant.

Au dessus du pont, vous pouvez voir un béal. C'est un petit muret qui conduit l'eau vers des terres situées en contrebas. L'eau circule le long de ce canal avec un débit calculé afin d'éviter tout entretien.

L'Hérault avec ses 120 km de long, traverse le département du Gard pour pénétrer celui de l'Hérault au niveau de Ganges. Ce fleuve termine sa course au Grau d'Agde et à la Tamarissière où il se jette dans la mer Méditerranée. L'unique plan d'eau est le barrage du Moulin de Bertrand et la retenue du Belbezet.

C'est dans le site des gorges de l'Hérault que le barrage hydroélectrique se situe. Il fait partie des 3 ouvrages les plus importants qui jalonnent le fleuve dont deux sont dans les gorges : Le Moulin de Bertrand et le barrage de Belbezet, alors que le troisième se trouve à la sortie des gorges : La Meuse de Clauzel qui se situe sur la rive gauche de l'Hérault.

Après l'avoir franchi, par l'intermédiaire d'un pont, vous arrivez au moulin. Le moulin fut construit à l'époque dite "moderne" et plus précisèment au siècle dernier. Il résiste aux dégâts des différents épisodes cèvenols, sa structure est souvent submergée. L'homme utilise le fleuve pour sa force motrice qui entraîne les roues du moulin.

Les cerclages des meules furent boulonnés et non rivetés. Les meules étaient en meulière (pierre) qui était importée des carrières environnantes, comme celle de Poussan.

Les plaines alentours sont modelées par l'activité humaine. Les champs sont cultivés au gré des saisons. Les ripisylves sont boisées de chênes et peupliers. Le reste est dominé par une végétation garrigueuse où pousse le buis parmi les éboulis.

L'eau de l'Hérault est dérivée par le canal de Gignac, pendant la saison d'irrigation qui s'étend de mars à octobre.

Les moulins avaient une place importante dans l'activité de la région. Surtout, durant la période du Xème et XIème siècle où il y a une forte croissance démographique. Ils permettaient de transformer le blé en farine et donc de produire du pain. Le pain sacralisé dans les milieux rurals où les voies de communication étaient difficiles d'accès. Il semble important de noter que les moulins s'installaient là où il y avait une église. Car chaque communauté en fonction de son dynamisme avait une église et donc un moulin. Les guerres de religion entraînaient la fermeture des églises et des moulins qui étaient sous le pouvoir seigneurial.

De ce fait, les grains de blé devaient être moulus à proximité des foyers. Leur fréquence atteste de l'occupation et de l'activité de chaque commune. Chaque moulin a son originalité dans sa conception. Les matériaux utilisés pour les mécanismes sont en fonction du système de gestion de l'eau. Il fallait donc s'adapter au lieu et à l'activité. Ils étaient donc implantés à proximité des concentrations d'habitation.

Les matériaux étaient récupérés sur les lieux. Souvent le buis servait à fabriquer les systèmes d'engrenage, et le chêne pour les pièces les plus imposantes, telles que le moyeu ou la roue.

C'est à la Révolution que les droits d'eau et de vent furent abolis. Auparavant, chaque Seigneur prenait un droit de moûture.

En 1935, une réglementation mit fin à l'activité car il fut fixé un quota de farine à produire. L'industrialisation sous jassante donna le glas à ce patrimoine.

En juin 2000, le barrage de Bertrand fut aménagé d'un chenal dans la roche sur la rive droite de l'ouvrage, afin de permettre aux espèces migratrices son franchissement tant dans la montaison qu'à la dévalaison. Cet aménagement permet la libre circulation pisicole.

Sur les berges autour du pont, les dernières pluies ont laissé leurs traces.

Le pont fut construit au XIXème siècle car le gué de Figuières ne permettait pas par mauvais temps d'accéder sur l'autre berge.

Après le pont, la route s'enfonce dans le vallon et serpente jusqu'à Saint Guilhem le Désert.

Nous arrivons au gué des Figuières. Là, un autre moulin privé fortifié. Les moulins depuis l'Antiquité font partie de l'histoire ruraliste du cours de l'Hérault. Cette technique remarquable remplaça le moulin à bras ou à bêtes (ânes et chevaux) qui fut utilisé auparavant. Il permet un rendement supérieur et appartient au Seigneur du coin. Puis, les moulins deviennent des biens en copropriété.

Le bassin industriel s'enfonce jusqu'à Saint-Guilhem-le-Désert et ces réalisations fluviales sont donc nécessaires pour l'exploitation agricole céréalière.

Seules les constructions en pierre ont pu résister et peuvent être datées. Les Moulins de Bertrand sont visibles de part et d'autre du fleuve. Ils semblent apparentés aux installations de Plancameil et de Brunan, par le plan architectural : voûtement, baie, appareil...

Celui de la rive droite fut reconstruit au XVIIIème siècle. Ils furent utilisés jusqu'au milieu du XXème siècle comme le prouve l'électrification partielle du site.

Le moulin est conçu sur un plan barlong muni d'un éperon triangulaire ou étrave qui lui permet de résister aux assauts de l'eau.  Cet éperon alimentait l'eau du moulin par un couloir d'accélération des eaux (entrée large, débouché étroit). L'eau rentrait dans une chambre voûtée en berceau par le bief. Le bief est l'ouverture pratiquée en aval et en amont du moulin.

Les roues par paire étaient installées horizontalement et tournaient en sens inverse l'une par rapport à l'autre. Elles fournissaient l'énergie aux deux jeux de meules dites volante et dormante. Les roues étaient disposées au fond d'une cuve circulaire et l'eau qui entrait suivant la tangente du cylindre, gonflait et s'introduisait dans le cylindre en formant un tourbillon. La roue contrainte de tourner entraînée l'arbre moteur et la meule se mettait en rotation. Les roues étaient en dessous de la salle des meules. Les roues à l'époque médievale étaient dans les pays septentrionaux, posées à la verticale.

La salle de meunerie était également voûtée et bâtie en blocage. Elle était recouverte de dalles. La pierre coquillée utilisée est la même que celle utilisée au moulin de Plancameil et à la tour des prisons de Saint-Guilhem-le-Désert. Les meules sont toujours dans le moulin malgré les nombreuses fois où il a été submergé.

Les Gorges de l'Hérault font partie du site "Natura 2000".

Les sources des Cent Fons sont en aval du Moulin de Bertrand et se jettent dans l'Hérault. Mais les gorges de l'Hérault ont également des pertes par des sous écoulements qui sont réutilisés parfois dans la zone des garrigues ou ressuscitent sous forme de source comme celle d'Aniane nommée St-Rome.

Les autres moulins sur l'Hérault

Mas du Moulin à Gignac
Moulin de Saint-Martin-de-Carcarès
Moulin de Jourmac
Moulin-Vieux à Saint-Bauzille-de-Putois
Moulin Neuf à Saint-Bauzille-de-Putois (rive gauche)
Moulin de Bertrand, Saint-Martin-de-Londres
Moulin de Figuières à Argelliers avec roues horizontales
Moulin de Plancameil ou Moulin de la Tour à Saint-Guilhem-le-Désert (XIIème siècle), avec roues horizontales
Moulin de Brunan à Saint-Guilhem-le-Désert
Moulins de Font-Clamouse à Saint-Jean-de-Fos avec roues horizontales
Meuse de Clauzel à Brissac
Moulin Neuf à Brissac
Moulin Aubanel à Brissac (aujourd'hui disparu)
Moulins de Belarga, rive gauche
Moulin Les Laures à Paulhan avec une noria
Meunerie de Roquemengarde à Saint-Pons-de-Mauchiens
Moulin des Près à Pèzenas
Moulin de Conas à Pèzenas, rive droite
Moulin de Saint-Martin-de-Murles à Pèzenas
Moulin de Castelnau-de-Guers
Moulin de St Thibéry au domaine de l'île
Meunerie du Concasseur à St Thibéry
Moulin du Duc d'Uzès à Florensac
Moulins Bladier à Bessan
Meunerie d'Agde

Bibliographie

Visite le 16 novembre 2014

N'hésitez pas à parcourir le blog de Dominique Clément "Hérault insolite" pour découvrir d'autres lieux et moulins.

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Traduction  : Français,  Allemand, Anglais, Arabe, Hollandais 
Parution : Dimanche 23 novembre 2014
Mise à jour  : 23 novembre 2014
                                       

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C'est au Grand Palais à Paris que je découvre l'oeuvre d'Hokusai appelé "Le vieux fou de la peinture" dont le nom n'est autre que Katsushika Hokusai (1760-1849). Prononcer "Hokeusaï", si vous voulez en parler !

 La langue japonaise se chante, elle est aussi poétique que l'art poétique ou dramatique. Les mots se disent d'une manière particulière, il ne s'énonce pas ; c'est une vraie partition chaque syllabe et elle rappelle les chants populaires traditionnels. L'instrument est la gorge, chaque corps fait surgir un son différent qui a matière a étonner par ces vides et ces pleins. Il en est de même, pour la peinture de Hokusai, elle me semble poétique.

Hokusai se surnomme lui-même Gakyōjin, autrement dit "Fou de dessin". Hokusai a changé plusieurs fois d'identité au cours de sa longue carrière. De Katuskawa Shunro, il prit le nom de Gakyo Rojin Manji (Le vieil homme fou de peinture). 17 signatures différentes sont recensées dont Sori, Taito ou Itsu que l'on retrouve sur les célèbres "Trente-six vues du Mont Fuji" et chacune correspond au passage d'une école picturale à une autre. Il a aussi utilisé plusieurs noms secondaires comme Toki (1799), Raishin (1811) et Kakō (1811). Autant de pseudo que de facettes pour exprimer sa personnalité créatrice.

Dans sa vie, il déménage aussi souvent qu'il change de nom !

Dans l'oeuvre d'Hokusai, j'y découvre poésie, délicatesse et nourriture spirituelle. Les contes et légendes défilent et je succombe devant l'Asie de l'Estau. Il incarne la spiritualité et l'âme de son pays. A travers mythologie et culture japonaise, ce parcours est un grand voyage dans le pays du Soleil levant. L'époque Edo est également marquée par le shintoïsme (神道, shintō), appelée littéralement "La voix des Dieux". C'est la religion la plus ancienne du Japon et elle est particulièrement liée à la mythologie. Au Japon, chaque région avait ses propres Dieux et ses propres rituels.

Yang (masculin) et Yin (féminin)

A cette époque les japonais étaient intimidés par l'avance culturelle chinoise et voulaient rivaliser avec elle. L'anthologie mythologique et l'anthologie poétique servaient le cycle de la naissance et de la renaissance. C'est le mélange des systèmes qui engendra le "Shintoisme".

L'empereur était la représentation des Dieux dans le monde mortel. Ce mandat divin de la famille impériale a forgé la mentalité japonaise. Chaque élément de la terre dans cette religion a le caractère sacré de la Nature. De même, chaque parcelle de la vie a un caractère sacré.

A l'origine, les chasseurs-pêcheurs du Jömon était le seul peuple au monde à pénétrer dans l'ère du néolithique qui resta nomade. Cette ethnie Jômon a pour origine les Inuits par l'arc Alaska-Nunavut-Groenland-Finlande-Sibérie-Japon qui formait la patrie originale des "Hyperboréens", le Svastika polaire de l'homme du Néandertal. Les japonais ne sont donc pas de l'Est mais un peuple d'Extrême Nord. Le Japon constitue donc l'avant-garde eschatologique de l'Eurasie.

Le shintoïsme entraîne le nomadisme par la pratique du "Shikinen Sengû" qui consiste à déplacer tout sanctuaire chaque vingt ans. Tous les édifices de bois sont donc détruits et reconstruits sur un autre site. Ainsi, sur ces mêmes moeurs, la capitale est déplacée à chaque nouveau Empereur (Naniwa, Ôtsu, Nara), jusqu'à l'arrivée du bouddhisme à la fin du VIIIème siècle et plus tard la période "zen".

C'est l'impermanence des choses, liée à l'air et à l'eau qui s'opposent à celui de la stabilité terrestre. Cette culture japonaise fait donc ressortir la légèreté des matériaux d'habitation par les paravants amovibles et le caractère sélénien des arts traiditonnels (Unkiyo-e ou "images du monde flottant", volutes éthérées du Koto et du shakuhachi dédiées à la contemplation musicale des froides lumières de la lune, laques et céramiques aux motifs vibrants d'irréalité translucide), littérature féminine et mortuaire (Kojiki initié par l'impératrice Gemmyô aux Contes de pluie et de la lune de Ueda Akinari jusqu'au Genji monogatari qui est l'unique exemple de roman nation écrit par une femme.

La période Sakoku ferma le Japon pendant 215 ans.

Le mont Fuji, dans la tradition shintō, est considéré également comme un élément du paysage naturel sacré.

Le Grand Palais abrite donc la plus grande exposition mondiale de l'artiste Hokusai, c'est la consécration d'Hokusai.

En hommage à ses noms, l'exposition est déclinée en 6 séquences dont :

- Katsukawa Shunrô (1778-1794),
- Sôri (1794-1798),
- Katsushika Hokusai (1798-1810),
- Taito (1811-1819),
- Iitsu (1820-1834),
- Gakyô Rojin Manji (1834-1849).

Le tableau de "Pêcheur" laisse le doute d'un autoportrait de Hokusai. Le texte est composé de brefs poèmes figurant au-dessus du personnage. L'un d'entre eux se termine sur le nom de Manji, une des signatures de Hokusai. Sa représentation, serait alors âgé d'une soixantaine d'années. Sa pêche ne semble guère fructueuse, le panier est vide. Sa position porte à croire qu'il n'est pas pressé car sa ligne n'est pas lancée à l'eau.

C'est le Maître des estampes japonaises qui créa le fameux tableau "la grande vague de Kanagawa" 神奈川沖浪裏 (ukiyo-e ou "image du monde flottant" - 1831) qui fut la première estampe des trente-six vues du Mont Fuji (de 1831-1833). Le thème de la vague est récurrent comme les vagues qui ne cessent de remplacer la précédente.

Ces oeuvres sont conçues selon la tradition japonaise du boudhisme, par le mouvement de la vague qui exprime le pessimisme d'un monde impermanent qui reflète notre nature fragile face à la nature grandiose et souveraine.

Il peint avec beaucoup de vigueur et d'effets visuels. Sa peinture est une énigme pour ma part. Je relève qu'elle puisse être codifiée, malgré des dessins parfois dépouillés.

La couleur bleue est le symbole de la "Révolution bleue". Le bleu de Prusse est sa prédilection, dès 1829. Cette couleur, appelée également "Bleu de Berlin", fut découverte en 1705 à Berlin comme l'indique son surnom, par le fabricant de couleur Johann Jacob Diesbach. Ce bleu est obtenu par une préparation à base de cochenilles, d'alun, de sulfate de fer et du sang de boeuf séché qui remplaça la potasse absente. Dès 1709, les peintres européens emploient ce piment. Lorsque sa composition secrète fut révélée, il prit même le nom de "bleu de Paris" et est défini comme "Bleu intense" ! La couleur bleue était obtenue par des pigments très chers, comme le lapis Lazuli. Elle était donc très peu utilisée par les artistes. Le bleu de Prusse a la particularité de perdre son éclat avec le temps et prend une teinte verdâtre jusqu'en 1850. Cette couleur fut introduite au Japon par les Hollandais en 1820.

Le jaune dans la "Grande Vague" reprèsente le sable".

Le mont Fuji est en arrière plan et se confond à la mer et malgré qu'il soit effacé par la grande vague, il est l'élèment le plus important. Il est calme devant les forces de l'eau, il est le symbole terrestre avec les hommes qui se battent contre le ciel et la mer.

La vague représente la force écrasante de la Nature. Le ciel est calme et la mer déchaînée, en parfaite opposition comme le Yin et le Yang.

Hokusai utilise la technique de l'impression faite à partir de plusieurs planches de bois gravé, soit sur bois polychrome d'environ 25x38 cm. Au départ, il dessine au pinceau sur un papier mince et translucide, fabriqué à base de fibres de mûrier entrelacées. Chaque impression comporte une couleur et notamment ce bleu intense.

Dans cette série, il exploite le format horizontal qu'il emprunte à l'art occidental. Le Mont Fuji ou Fujisan (volcan sacré) est un endroit symbolique dans l'art boudhiste et un lieu de pèlerinage shintoïste. Il apparaît en fond de paysage, enneigé. dans ses toiles avec en premier plan, une tempête dans la baie de Tokyo, au large de Kanagawa. Dans les creux de la houle, les barges de pêcheurs s'aperçoivent et donnent l'ordre de grandeur de la vague qui est de quatorze à seize mètres de haut. Les barques sont effilées comme des sabres de Samouraï. La vague évoque le mouvement perpétuel. Tel un monstre, elle aspire et rejette en écume. Le principe du Yin et du Yang sont à noter dans la manière dont les formes sont marquées, voire cernées et l'utilisation dissociée des couleurs.

La vague est une métaphore.

Estampe 1 de la série "35 vues" - La grande Vague

Le trajet visuel de la lecture de l'image se fait de gauche à droite. La masse d'eau s'équilibre et s'oppose au reste de l'image, dans un équilibre presque parfait de plein et de vide qui forment une symétrie. La vague représente l'instantané, à l'instant où elle va être en rupture par la perte de l'équilibre et est sur le point d'engloutir les embarcations des pêcheurs. Le Fuji apparaît au loin.

Le tableau ne mesure pas 16 mètres de haut, à mon grand regret.

La vague fait référence à cette vague monstrueuse qui détruisit la ville d'Edo.

La neige est la lumière blanche des anges / Neige de Maxence Fermine

Gaifû Kaisei 凱風快晴 qui signifie "Vent du Sud, ciel clair"

Le Fuji est rouge, les rayons du soleil levant illuminent le Fuji. C'est l'été, seules quelques traînées de nuage recouvrent le mont. Ce tableau fut réalisé au début des années 1830. Cette série témoigne d'une rupture dans l'art Hokusai. Il privilégie l'aspect inattendu d'un moment saisi dans les sites touristiques, alors que les autres artistes étaient plus conventionnels.

Mythique volcan où la montagne sacrée. Il ressemble aux portes du ciel

Hokusai a peint le Mont Fuji après l'avoir gravi à la rencontre du petit peuple dans chaque province sur les pentes du Dieu Blanc. Il peint ces paysages avec ces pinceaux qui associent l'onguent des kami (divinités) qui va jusqu'à l'essence des choses.

Hokusai dans les années 1830 voue un véritable culte à la montagne sacrée. Après trois années consacrées à méditer sur cette divinité, il peint ce chef d'oeuvre, en trente six vues.

Pour accéder au Mont Fuji, il faut traverser la forêt "Aokigahara Jukai" qui regorge de légende. Fuji, le plus haut volcan du Japon (3776m) est reconnu comme une montagne de perdition. Beaucoup de randonneurs perdent leur chemin ; aussi, chaque année, il est organisé une expédition pour retrouver ces corps disparus.

La foret est si dense qu'il est difficile de se diriger en fonction du soleil.

Le sol crevassé est masqué par des branchages, des feuilles.

Bref, un vrai labyrinthe où il ne fait pas bon y aller seul sous peine d'y laisser la vie.

Le Fuji vu de Hodogaya sur la route du Tôkaidô. La route est bordée de pins et les voyageurs passent, l'un a cheval est gudé par un palefrenier, l'autre est assoupi dans un kago (palanquin). Ils ont croisé un moine mendiant coiffé du grand chapeau de paille. Editeur : Eijudo.  Dessins de la série "Fugaku sanjurokkei" ou "36 vues du Mont Fuji"  Signé : Zen Hokusai aratame iitsu (vers 1830-1835)

"Celui qui gravit le mont Fuji une fois est un sage, celui qui gravit deux fois le mont Fuji est un fou" proverbe japonais.

L'ascension nécessite une bonne condition physique. Il faut traverser une zone de nuages et la température est basse, parfois même négative. Au sommet des vents forts vous soulèvent vers le ciel et l'oxygène est aspiré par l'au-delà.

Le Fuji est vu du lac Hakone, dans la province de Sagami. Sur la rive du lac Hakone, on aperçoit parmi les arbres, à droite, les toits du temple d'Hakone Gongen. Des nuages épais de brume découpent le paysage dominé par une colline. La cime enneigée du mont Fuji est à l'horizon. Dessin de la série "Fugaku Sanju Rokkei" ou "Les trente-six vues du Mont Fuji". Signé : Hokusai aratame iitsu no fude (1826-1833) Editeur : Eijudo

Le mont Fuji dans la passe Inume de la province de Kai. Deux voyageurs sont suivis par deux autres, portant de lourdes charges et gravissent péniblement la colline. Dessins de la série de "Fugaku sanju rokkei" ou "Les 36 vues du mont Fuji". Signé : Hokusai aratame IItsu no Fude  (vers 1826-1833) Editeur : Eijudo

Voici un des contes de Lan Lan Hue sur le Mont Fuji

Peintre, dessinateur, graveur... l'artiste a un trait fin pour décrire les paysages avec des airs de l'occident, il dompte les principes traditionnels de l'art japonais. A cette époque, il est interdit de sortir du Japon. Ces oeuvres sont faites principalement sur du papier ou de la soie. Il sait aussi croquer les traits, la physionomie et est connue également pour son répertoire de grimaces.

Page du recueil Otoko dôka ( « Danses masculines »), 1797-1798, Impression polychrome (nishiki-e),
recueil de kyôka illustré (kyôkabon),
Editeur : Tsutaya Jûzaburô,
Signature : Hokusai Sôri ga,
Don Alexis Rouart, 1894, EO 228

J'ai admiré ces dessins de carpe, crevette, souris, singe, coq, renard, cormoran croqués avec tant de réalisme qu'il faut un oeil expert pour connaître la symbolique. La carpe, par exemple, représente la persévérance, tandis que la tortue amène l'attachement au sol par opposition à la grue qui incarne le détachement. La crevette m'inspire par ses couleurs floues. L'hololturie, un nom si étrange pour désigner le concombre de mer.

En Extrême-Orient, un poisson seul représente la richesse ; par paire, ils évoquent l'union, la félicité conjugale et la fertilité.

Cette estampe fut distribuée par Hokusai à ses amis, afin de les informer qu'il change de nom d'artiste et qu'il signera désormais "Sori". En haut à gauche, le texte rédigé par un de ses proches souhait que la lumière de l'étoile polaire (signe de Hokusai) brille plus fort encore sur lui. Toute sa carrière, Hokusai pris une vingtaine de fois un nouveau nom d'artiste. Celui qu'il garda le plus longtemps est "Pinceau de Manji, le vieil homme fou de peinture, anciennement Hokusai".

Il produit des estampes, des peintures, des gravures, des éventails, des manuels de peinture, des calendriers, des livres imprimés, des manuels scolaires... soit plus de 30 000 oeuvres estimées comme des trésors nationaux au Japon. Il est l'inventeur du terme "Manga" par ses dessins spontanés. Les dessins "Hokusai Manga" sont fait sur quinze volumes durant la période de 1814 à 1878.

Le ramasseur de chataîgne pourrait être Kensan, le serviteur du Daruma. Il est légèrement penché et tient un balai dans sa main droite et dans sa main gauche, une pelle en osier. Dessin signé Hokusai. Le vieillard fou de dessin, âgé de 80 ans.

Signé : Zen Hokusai Manji ô fude

Hokusai s'est installé par seulement dans la ville d'Edo (aujourd'hui, Tokyo) où il s'inspira de la rivière "Sumida" ; non, c'est un peintre qui croquait la vie et qui vécut dans cent endroits différents.

La gestuelle des personnages est une sorte de pantomine et leur expression, voire les mimiques des personnages sont caricaturales. Cet art est subtil car il développe une atmosphère et l'interprétation est remarquable. Il s'inspire du folklore japonais et développe ce côté fantastique. Il ne manque plus que la musique pour soutenir cette ambiance.

Ce carnet de croquis N°1 fait partie des 15 cahiers "Hokusai Manga" qui furent édités à partir des années 1810. Le premier cahier obtint un tel succès que l'éditeur en publia jusqu'à 10 volumes, puis 15. Le terme "Manga" désignait à l'époque un dessin libre, une esquisse.  C'est seulement au XXème siècle qu'il devint au Japon, synonyme de "bande dessinée". Tous les thèmes sont abordés, y compris celui du reptile que vous voyez sur cette page : batraciens et insectes.

Hokusai peint la lune, alors que la lune éclaire son étoile. La lune dessine dans l'eau les traits des ombres qui marchent et accompagnent chaque personnage.

Il peint les militaires très poilus, il semble que cela soit des soldats chinois ! J'avais pourtant pris habitude que les asiatiques sont imberbes.

Le miroir est souvent repris car il reflète sa propre image qui incarne un acte de foi comme l'antique injonction delphique "Connais-toi toi-même". La présence du miroir fait partie des objets légitimés par le pouvoir comme l'épée, le joyau et donc le miroir.

Le saké est un breuvage issu de la fermentation du riz. Hokusai, dans un ouvrage plein d'humour décrit ses arômes de fruits frais ou fleuris. Voici une de ses paraboles :

"S'il y a le moraliste, qui dit qu'à la première coupe, c'est l'homme qui boit le saké, qu'à la seconde coupe, c'est le saké qui boit le saké et qu'à la troisième coupe, c'est le saké qui boit l'homme".

Nous arrivons à la partie la plus érotique, voire pornographique. Là, les vitrines laissent penser que les visiteurs se sont approchés. Des traces de doigts, de front, de nez s'ajoutent aux dessins. La chair est explorée sous le titre "shunga" qui exprime le sexe et le plaisir.

Les portraits sont autres que des pénis, des organes génitaux exposés, un déballage de marchandises qui se monnayent ou qui s'offrent au plaisir de ces couples et des yeux des visiteurs.

Les oeuvres ne sont pas souvent signées et pour cause, les règles de censure qui étaient en place sont strictes.

Les sept Dieux du bonheur sont représentés chez les japonais par des femmes.

La représentation de Hokusai de la femme avec le poulpe reçoit toute l'attention des visiteurs.

Tako to ama 蛸と海女 "La femme de la mer et le poulpe"

Estampe qui représente une femme prise dans les tentacules de deux pieuvres. Une l'embrasse et s'enroule autour de sa poitrine, tandis que la deuxième pieuvre semble faire un cunnilingus à la prisonnière. Ses yeux se noient dans le vague (pas la Grande Vague !), l'extase est le prisme de cette métaphysique. Cette oeuvre érotique est un fantasme zoophile de cette femme. 

Homme s'habillant en costume de la danse du lion, homme se relaxant en s'allongeant après l'intensité des amours.... Vers 1816-20

Bon, j'en ai pas trouvé "cinquante nuances" comme dans le livre érotique de E L James...

Les vêtements décrits sont raffinés. Sous la méthode des penseurs de plomb qui n'est autre que la révolte en pensées pour tenter de vivre sous cette chape de plomb qu'est l'isolement d'Edo, Hokusai décrit sa vie, son oeuvre. Son oeuvre rayonne comme une énigme. Ce génie fut canonisé à sa mort, lorsqu'Edo fut libéré et la mode du japonisme lancée.

Le divertissement semble l'oeuvre de l'artiste tant le détail aboutit à notre curiosité.

Hokusai n'a cessé de changer d'école, de style ; Et, à chaque période, il a changé de signature. Les détails sont fouillés et parfois, d'un seul coup de pinceau, la forme surgit.

Les grands maîtres de l'art japonais sont bien Hokusai et Hiroshige. Auparavant les japonais utilisaient une tradition chinoise pour leurs dessins car ils peignaient ou écrivaient au pinceau avec de l'encre de Chine. A l'époque d'Edo, les congrégations religieuses chrétiennes avaient prises la décision de couper tout contact avec les pays étrangers durant la période de 1603 à 1868. De cette situation, une culture particulière est apparue.

Longue vue de la série "Sept manies des jeunes femmes sans élégance" est un portrait de deux femmes dont l'une semble très intéressée par le spectacle qu'elle découvre au bout de sa longue vue.

La nuque des femmes, ainsi que les pieds sont précieux. Les orteils sont mirifiques par leur ciselé. Leurs regards, les tissus qui les ornent sont soyeux.

Les "Maisons Vertes" sentent les effluves des caresses des célèbres courtisanes Ohisa et Okita.

Buste d'une jeune paysage dont le visage est tourné vers la droite. Elle porte sur le dos un panier rempli de pousses d'herbes fraîchement cueillie. Trois poèmes sont inscrits qui sont signés de Chiyoki Hananori, Unryu tei et Hanzai Ogi. Le tableau est signé "Sori" de 1799 (Année du mouton)

Il est agenouillé, vêtu d'un komono de cérémonie et se prépare à la cérémonie du thé. Deux jeunes femmes l'observent à travers un shoji partiellement ouvert. Le poème inscrit est signé SEntai Narieda. Dessin de la série : Rokuju sohiawase. Cette série d'écrits est due à six femmes. Dessin signé Gakyo jin Hokusai ga (1804-1805)

Hokusai Manga est un carnet de croquis en quinze volumes. Il est conçu comme un manuel à l'usage des jeunes artistes. Une sorte d'encyclopédie de la vie quotidienne au Japon sous l'époque Edo. Hokusai fut le témoin de la révolution sociale et mit en théorie, l'image du "Carpe Diem" des préoccupations bourgeoises et pacifiques. Il utilise le "mitate" ce qui revient à dire qu'il transpose ce qu'il voit par le biais d'une opération mentale en une autre vue plus représentative, voire symbolique.

Le mot "Manga" est de sa signatue et signifie : esquisse spontanée.

Si l'on revient aux 36 vues du Mont Fuji, elles sont la représentation du Fuji-Yama et ressemble au mitate des 36 pas.  C'est une pratique spirituelle qui transcende le monde visible pour aller vers l'autre monde. Dans la montagne, il faut voir la rencontre avec l'autre monde, avec les morts, avec des êtres étranges. Cette montagne est donc une montagne matrice qui fait l'objet d'un culte par des confréries "Fuji-ko". Le Fuji symbolise le pilier du pays pour les chōnin (町人, « citadins »). Ce sont des citadins japonais de l'époque d'Edo (1603-1867), cette classe sociale est très prospère par leurs commerces et réside dans les villes (chō). Cette classe fait partie de la 4ème caste : la dernière, après les guerriers et les agriculteurs et les artisans. Dans ce système, l'individu n'existe que par son rôle dans la classe sociale et il a de très rares occasions pour gravir l'échelle sociale. Les commerçants sont classés comme improductifs, tandis que les "samouraïs" ont une culture axée sur la philosophie, d'un apprentissage claissque basé sur des valeurs militaires. Les règles du commerce sont régies par des codes de conduite aussi stricts que ceux appliqués aux samouraïs. Mais la culture des commerçants est formée d'idéal connu sous le nom d'Ukiyo ou "le monde flottant", le monde de l'élégance et du divertissement populaire.

Il n'y a pas que 36 vues, mais 46 planches d'estampe.

Un poème c'est une eau qui s'écoule, comme cette rivière  / Neige de Maxence Fermine

La représentation est selon la perspective aérienne. Le mont est séparé du ciel bleu par d'abondants nuages qui font contrastes avec le plateau couvert d'une forêt de conifères. Trois couleurs s'opposent le bleu, le marron et le blanc. Les nuages sont utilisés pour décaler le ciel de la terre et permettent de combiner le vide et le plein.

Ces 36 vues inspirèrent le compositeur De Bussy pour sa partition "La Mer".

Cet art de la société urbaine est illustré et publié pour contrecarrer la censure des moralistes de la ville d'Edo. Les personnages sont des chōnin, fins connaisseurs des quartiers de geisha. L'imagerie est d'un grand réalisme avec une dimension critique, voire satirique. C'est une littérature populaire, une nouvelle forme d'art non reconnue comme oeuvre d'art jusqu'à la fin de l'époque Edo.

Hokusai va inspirer Van Gogh, Pissaro, Toulouse-Lautrec, Renoir, Degas, Camille Claudel, Claude Monet notamment dans les "Nymphéas". Pour Claude Monet, je vous conseille de lire : les nymphéas noirs de Busi qui retrace bien cette découverte du monde asiatique par Monet. La vague inspira le compositeur français Claude Debussy, dans "La Mer". Dans un autre domaine, la marque "QuickSilver" utilise dans son logo, l'emblématique vague.

Utamaro le précède, tandis qu'Hiroshige viendra clôturé cet art.

Deux femmes et un coolie

Peinture de Hiroshige

"Vers l'âge de cinquante, j'ai publié une infinité de dessins ; mais je suis mécontent de tout ce que j'ai produit avant l'âge de soixante-dix ans. C'est à l'âge de soixante-treize ans  que j'ai compris à peu près la forme et la nature vraie des oiseaux, des poissons, des plantes, etc.  Par conséquent, à l'âge de quatre-vingts ans, j'aurai fait beaucoup de progrès, j'arriverai au fond des choses ; à cent, je serai décidèment parvenu à un état supérieur, indéfinissable, et à l'âge de cent dix, soit un point, soit une ligne, tout sera vivant. Je demande à ceux qui vivront autant que moi de voir si je tiens parole.
Ecrit à l'âge de soixante-quinze ans, par moi, autrefois Hokusai, aujourd'hui Gakyo Rojin, le vieillard fou de dessin."
Katsuhika Hokusai

1ère partie - Hokusai fou du dessin

Femme dans son intérieur 1799

2ème partie - Hokusai manga

3ème partie - Hokusai au cent histoires de fantômes

Voir photos "Spectre d'Oiwa-san"

Ce sont des créatures intangibles sorties d'Hokusai ou du moins du folklore de la culture populaire. Ces créatures imaginaires sont des "Yokaï", monstre bizarre. Ces histoires étaient auparavant des récits oraux, transmis de génération en génération, comme une mise en garde ou un avertissement. C'est à l'époque "Edo" que les peintres ont mis un visage sur ces farfadets.

Cent contes de fantômes Hyaku Monogatari Sarayashiki

Le "Spectre d'Oiwa-San est un fantôme qui appartient à une série qui illustrait l'ouvrage "Cent contes de fantômes". Au Japon, le qui portait ce nom consistait à raconter des histoires de spectres, lors des réunions. L'histoire dit qu'au bout du centième conte, un évènement surnaturel devait se produire. Oiwa est représenté par Hokusai, c'est l'héroïne d'une fameuse pièce de Kabuki "Les fantômes de Yotsuya" qui sort d'une lanterne. Cinq estampes seulement de cette série sont connues, le doute subsiste si cette série fut achevée.

L'assassinat de Koheiji par sa femme et son amant. Son fantôme serait venu hanter les deux assassins dans leur lit entouré d'une moustiquaire. Cette histoire fut rendu populaire par l'écrivain Santô Kyôden, connu sous le pseudonyme d'artiste d'Ukiyo-e Kitao Masanobu dans le livre "Belle histoire de vengeance à l'étang d'Asaka". Cette histoire fut adaptée dans une scène de Kabuki et connue un très grand succès. (Archives Musée Guimet)

 Le Rokurokub est un yokaï humanoïde le jour et dont le cou s'allonge la nuit. Il ou elle boit de l'huile de lampe et fait peur aux gens, voire les dévore dans leur sommeil.

A plusieurs reprises, Hokusai représente des têtes coupées. Dans l'histoire du Japon, les amouraïs tranchaient la tête de leurs ennemis. Ces trophées étaient appelés "Nantakubi". Ces dessins sont réalisés à l'encre de Chine, rehaussé de quelques traits de couleurs avec des influences occidentales comme en témoigne l'utilisation du clair-obscur, technique empruntée aux peintres européens.

Cette oeuvre démontre l'humour d'Hokusai car elle représente sa fille "Oi" qui verse du sake dans une coupe. C'est un jeu de mots pour comparer le sobriquet artistique de sa fille : "Oi Sakae".

La représentation de l'homme en costume de samouraï traditionnel qui regarde l'amour se déverser dans son bol.

4ème partie - Hokusai, voyage au fil des cascades des différentes provinces

Tour des chutes d’eau des différentes provinces (shokoku taki meguri),
La cascade de Kirifuri sur le Mont Kurokami dans la province de Shimotsuke  (Shimotsuke Kurokamiyama Kirifuri no taki), 1833,

Impression polychrome (nishiki-e),
Format ôban,
Editeur: Eijudô, Signature: zen Hokusai Iitsu hitsu,
Donation Norbert Lagane, 2001, MA 12179

Les premiers plans sont à l'image d'Hokusai. Conçus par le jeu de triangles, comme le toit de la maison qui répond à celui du ponton. La scène est alors adoucie par l'utilisation de lignes horizontales comme celles du plan d'eau et du paysage. Les lignes verticales amènent le regard vers le haut et donne le côté spirituel d'Hokusai. L'exemple de l'arbre au premier plan, ainsi que les sommets des montagnes démontrent cette technique.

5ème partie - Hokusai, mille images de la mer ou le monde flottant

6ème partie - Hokusai, au fil du pinceau
Avec la peinture, il se consacrera au kakemonos qui sont des grandes estampes polychromes sur soie dans le registre animalier.

L'humilité -1939-

L'humilité est une caractéristique qui n'est pas donné à tout leader créatif. C'est surtout un comportement qui devrait se cultiver. L'absence d'humilité cause la chute de nombreux artiste. Ils commencent à croire que ce que disent leurs admirateur et s'en imprégnent. Avec le vocabulaire de l'enfance, il pourrait être dit : "Ils deviennent trop grand pour leur culotte" et ils commencent à croire à leur propre presse.

Apprenez à cultiver le trait de l'humilité. Aucun d'entre nous n'est parfait et nous faisons tous des erreurs, tant dans notre vie personnelle que dans nos créations artistique. Il faut toute une vie pour devenir un Maître et, même alors, nous pourrions ne pas l'atteindre avec cette désignation. Soyez reconnaissants pour ce que vous avez reçu et chercher à rester humble.

Nous sommes souvent pris par nos activités journalières que nous oublions que la vie est courte. Aujourd'hui ici et demain disparu. Si l'on ramène notre vie aux éons du temps, nous vivons qu'une seconde. Cette image devrait nous permettre de rester humble. Ainsi, si vous regardez notre place dans l'univers, ce phénomène s'emplifie.

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18 Octobre 2014

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Traduction  : Français,  Allemand, Anglais, Arabe, Hollandais 
Parution : Dimanche 2 novembre 2014
Mise à jour  : 2 novembre 2014
                                         

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Carnon n'est pas singulièrement jolie comme station balnéaire. Cette station est le produit de la civilisation urbaine. Je la préfère après les orages, quand les intempéries ont lessivé la plage, la rendant plus sauvage, soit dit avec plus de cachet.

Après le drapeau rouge et les alertes climatiques de la même couleur, aujourd'hui le temps est clément et propice à la baignade. L'eau est à 21° en ce 3 octobre 2014. Les vagues s'approchent puis s'étalent sur le sable.

La mer est sans routes, la mer est sans explications. (Sic Alessandro Barrico dans Océan Mer)

Carnon, c'est une vie pour certains montpelliérains car c'est le port de plaisance des montpelliérains. Ils y retrouvent leur passé et les souvenirs des premières vacances avec le camping, les bicoques en front de mer et la liberté. Les étangs, l'odeur des algues, les pontons où les barques attachées entrechoquent leurs voiles latines, c'est de cela que je vous parle.

Autrefois, Carnon était appelé Carnonville-la-Mer. Et si l'on remonte le temps, l'histoire nous rappelle la Baronnie de Carnon. Le Grau dit port de Carnon est cité dès 1303. Il est la propriété des Chevaliers de Malte qui le garderont jusqu'à la Révolution. Les anciens textes attestent que l'endroit était invivable par les moustiques, mais également par la présence de corsaires, d'odeurs pestilentielles, d'ensablement et la mauvaise qualité de l'eau. Les zones humides étaient peu peuplées car soumises au paludisme et razzias.

Les bons souvenirs sont des bijoux perdus, citation de Paul Valéry

A l'origine, cela se passsait dans ces petites maisons avec courette à l'arrière. Les bicoques de l'avenue Grassion-Cibrand s'entouraient de marmots. En scrutant le passé, les plus grands étaient assignés à la corvée des pains de glace qu'ils devaient aller chercher à la voiture journalière. Cela permettait de conserver les poissons du jour et les crabes pêchés dans les rochers du canal.

A l'époque, il n'y avait pas de commodités, ni d'eau courante. Le ravitaillement en eau potable se faisait à Palavas, à l'aide de bidon. L'eau usée se déversait dans le ruisseau caché par les taillis de roseaux avant de rejoindre les zones humides de cette vaste étendue.  Derrière, ce n'était que étang promis un jour à la création du nouveau port. L'étang communique avec la mer par le "Grau de Carnon". Le tout-à-l'égoût viendra qu'aux années 1980.

Sur la plage, les marchands de chouchou poussent leur inconditonnelle carriole pour tenter petits et grands. Mais, il est rapporté que déjà en 1858, Jean Jovenel de Pérols vendait des rafraîchissements sur les rives droites et gauches de Carnon.

A l'heure du pastis, point de commodité et  chacun devait ramener son siège pliant. Autour des bijus, des sardines grillées et de quelques moules, la discussion s'enmêlait.

Le soir, les dancings écumaient la jetée au même titre que les moustiques. C'était l'insouciance voire le bonheur.

Les pêcheurs se retrouvent les soirs de tempête sur la digue pour pêcher la daurade, l'unique, celle qui ne tient pas dans une main. A cette époque l'argentique ne permettait pas de ramener une photo pour donner du sens à la réalité, alors chacun racontait sa pêche et prenait des airs de Marseille ! Les noms restent ancrés comme Emile & Lucie Bruel.

Si l'on fait une plongée dans le passé, l'on découvre que jusqu'en 1288, la pêche se faisait en nacelle, c'est-à-dire la petite barque sans mât ni voile, sur l'étang. Il faisait "le globe", variante qui utilise un filet carré. Puis par la suite, ils utilisèrent un filet linéaire appelait "trémaille" long de 100 mètres tenu par deux piquets à chaque extrémité et dans lequel le poisson s'attrapait par les ouïes. L'étang s'est détérioré lors de la construction de la Grande Motte, dans les années 72 et a entraîné le changement au niveau de la vase devenue noire alors qu'elle était grise. Les maniguières et les bordigues ne sont plus entretenues. Voici les stigmates de la pollution urbaine, côté étang. Dans les années 50, 200 familles vivaient de la pêche.

Dès 1905, l'installation de meublés entraîne la présence de la bourgeoisie de Montpellier.

Le cordon dunaire appartient côté sud-est à la station de Carnon. Dans l'étang, l'on peut pêcher des jols, des dorades, des loups et lorsque arrive l'automne des petites soles. L'étang d'une profondeur de 80 cm n'était pas autrefois rattaché à la mer. C'est à travers les eaux d'un autre étang dit "étang d'Avranches" qu'il fut mis en communication avec la mer, alors qu'il en était séparé par le canal des étangs. Cet étang alimenté par 4 rivières dont le Vidourle, est peuplé d'oiseaux aquatiques tels que macreuses et canards. Il est même recensé qu'il y avait des macareux !

Le nouveau centre ville vit le jour aux années 70. Il recula de deux rangées d'habitation pour s'installer sur le nouveau port avec ses barres d'immeubles où le vent ne peut s'engouffrer. Sa situation géographique lui donna sa réputation.

Les petites boutiques regorgent de souvenirs en tout genre et il n'est pas rare de retrouver les mêmes horreurs de décor en coquillage sur chaque buffet de cuisine, au même titre que le thermomètre en forme de dauphin.

Le coin politique se trouve à la séance de billard, sur le quai qui longe bien plus tard le nouveau port. C'est là où l'on débat si Carnon doit rester rattachée à Mauguio ou enfin, être reconnue comme une ville à part entière.

Une des maisons les plus anciennes qui se situe au bord de l'eau se remarque par sa tour ronde qui dépasse le premier étage. Elle s'appelle "La fourmilière" et se trouve au bout de la rive gauche en allant vers la Grande-Motte. Pourquoi "Fourmilière", vous dirai-je ?

Les noms des villas de Carnon a un sens, ils évoquent l'architecture, le propriétaire. Ainsi l'on trouve "Villa Germaine", "Villa Mon Rêve", "Fourmilière"...

L'érosion de la côte est une dynamique naturelle et malgré les efforts humains, elle ne peut être empêchée. L'urbanisation exacerbe les processus naturels. Carnon est peu exposée aux tempêtes. La fréquence est une tous les trois ans et de ce fait, la mer gagne du terrain !

Connaissez-vous, la "saladelle", cette plante ancrée dans la tradition ? Elle est aussi appelée "lavande de mer". Si vous longez les roubines, le chemin est bordé de saladelle. Les roubines sont des sortes de rigoles creusées par l'homme pour draîner l'eau. Sur la rive droite des étangs, côté mer, la terre est limoneuse et la végétation est composée de salicorne. La salicorne quand elle est jeune est comestible. Elle se déguste crue ou en vinaigrette. Au milieu des roselières, vous pénétrez dans la "sansouïre", cet espace entre terre et eau. Lorsque les étangs sont écrasés par le poids du ciel, le sol se craquèle et forme une croûte qui donne à l'infini, l'aspect du désert. Le tamaris est l'arbre le plus typique car il résiste au sel et au climat méditerranéen.

Les pluviers vivent dans les vasières. Ils font partie de la famille des "charadrius" qui comprend 67 espèces. C'est un oiseau de rivage, là où la végétation est courte et parsemée. Il se reproduit au printemps et forme un nid à même le sol recouvert de débris de coquillage.

Pour les curiosités, à part la passerelle qui reliait les deux rives auparavant et la maison perdue dans l'étang de l'Or, je n'en trouve point d'autres. Les immeubles remplacent les habitations balnéaires historiques et l'aménagement du territoire n'a retenu que le mot "touriste". Pour protéger les départs en masse vers l'Espagne, la construction fut d'envergure mais sans architecture comme à la Grande-Motte.

Quand le mot "beauté" sur les moteurs de recherche n'amène que la vision de l'institut de beauté situé sur l'avenue, je ne trouve pas d'autres points de repère pour vous signifier son absence.

Ses plages sont en épis, le port est accueillant pour les bateaux et la grand-roue cerne les alentours, sans grand risque.

Dans la station, il existe une ancienne colonie de vacances "Enfance ouvrière au grand-air".

Carnon fait partie aussi des chemins de Compostelle. Entre l'étang, le canal et l'étang se trouve un chemin qui longe le canal du Rhône.

La station balnéaire de Carnon se trouve sur la commune de Mauguio (Hérault), à environ 10 km de Montpellier. Elle est séparée de sa commune voisine par l'étang de l'Or.

Les cabanes se situent à l'entrée de Carnon autour des quatres canaux surplombés par le grand pont qui enjambe le canal du Midi. Dans les années 1930, les maisons de pêcheur étaient en sagne, puis elles furent remplacées par des cabanes en roseau et plus récemment en bois. Certaines sont en pierre avec un étage qui permettait de ranger le matériel de pêche au rez-de-chaussé et de s'installer à l'étage. Les hommes disposent des matériaux sur place. Elles ont disparu avec l'urbanisation. L'aménagement du canal du Grau à Pérols a entraîné un nouveau pont.

La barque appelée "négafol" est toujours là. C'est une barque à fond plat, étroite qui permet de se diriger avec une perche, nommée "partègue", dans les étangs. Au fond de la barque, la "trabaque" attend d'être lancée. C'est un filet adapté à la pêche à l'anguille.

De l'autre côté, en direction de la Grande-Motte, la commune se termine par son château d'eau.

A la sortie de Carnon, les flamants roses nidifient dans les étangs. Ils sont les prédateurs des artémias, ces petites crevettes des marais salants. Les flamants roses, cette espèce grégaire vit au Sud de la France dans ces étendues d'eau. Les flamants roses sont libres,  par le fait qu'ils changent de partenaire, chaque année. Ils sont pourtant farouches à notre rencontre.

Il y a un vif contraste entre les flamants roses et les taureaux noirs. Pourtant les taureaux ne distinguent pas les couleurs, mais en plus, ils voient floux. Le rouge les existe, c'est leur spectre ; mais je ne sais pas si c'est l'animal en nous qui voit tout en rouge et est fasciné par cette couleur sanguine.

Recette de la tapenade

. 200 g d'olives noires dénoyautées
. 100 g de parmesan râpé
. 10 filets d'anchois
. 100 g de câpres égouttées (environ 2 cuillères à soupe)
. 15 cl d'huile d'olive
. poivre noir
. 1 gousse d'ail

Ecraser les olives, les filets d'anchois, les câpres dans un mortier tout en ajoutant un filet d'huile d'olive. Malaxer jusqu'à obtention d'une crème plus ou moins fine suivant votre convenance. Rajouter le parmesan.
Assaisonner de poivre, d'ail.
Mettre au frais 1 heure.

Où manger ?

"Anisette & brochettes"
37 avenue Grassion-Cibrand
34280 Mauguio

Les orages à Carnon ?

4 septembre 2008

Bibliographie

Plage de Carnon, le 3 octobre.

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La Grande Motte La chapelle architecturale décortiquée	Beauduc... FRANCE	Autour de l'étang de l'Or, Les cabanes du salaison MAUGUIO	L'été sans "chouchou" à PALAVAS		Taureaux, les pieds dans l'eau à Tour Carbonnière GRAU du ROI

 

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Traduction  : Français,  Allemand, Anglais, Arabe, Hollandais 
Parution : Samedi 4 octobre 2014
Mise à jour  : 4 octobre 2014
                                         

 

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Quand l'Abîme n'est que beauté, je peux que vous inviter à le découvrir par ces eaux de printemps qui naissent début mai.

Hier (indique le passé), nous étions dans le Jura au Cirque de Vaucluse et pour celles et ceux qui ont l'habitude de suivre mes reportages, vous pouvez classer cet endroit comme une curiosité, des plus insolites.

Le torrent est alimenté par plusieurs sources

Le torrent a rendu à la nature toute sa beauté. La neige amoncelée par l'hiver s'octroie sa dernière descente. La terre gorgée d'eau distribue la fraîcheur. L'eau coule de pierre en pierre, s'égoutte, ruisselle et emporte les tourments. Elle court et glisse pour suivre son cours. Je ne passerai pas à gué dans cette piste où le songe est souverain.

L'atmosphère qui y règne prend une grandeur par la brume qui vient caresser la végétation. Son tissu blême enveloppe d'un voile la nature.

La route est loin, le murmure de l'eau prend toute la tonalité.

Il est midi et le soleil rend transparentes les feuilles ciselées des fougères, il joue de leurs nuances.

L'eau jaillit avec son énergie sourde et invisible. Elle n'est plus terrassée par le froid, elle roule sur les cailloux et dessine ses courbes jusqu'à la cascade finale. Elle garde son intimité pour les profondeurs de la nature. Elle danse auprès des marmites de géants, jusqu'à trouver exutoire auprès de la Cascade des Combes ou peignait par les dentelles des roches, elle s'allonge libre de tous les liens qui la resserraient.

Tandis que le fond des gorges semble un chaudron chaud par le lavis des brumes, le torrent s'exprime. L'air est brouillé et se confond à l'odeur du bois mouillé. La nuit apparaît dans ce lieu d'origine. J'ai l'impression de visiter les ténèbres.

Bassin en formation, appelé plus communément "Marmitte de Géant"

Le puit est d'une profondeur de 45 mètres pour 10 mètres de diamètre. L'eau est à 7°.
C'est une source vauclusienne, une puissante résurgence. En 1854, Jean Reffay en coupant du bois en surplomb chuta et disparu au fond du gouffre. Le trou fut exploré en 1961, plus particulièrement le 28 février 1961 par Michel Letrone et Max Martin et établirent qu'il n'y a aucun courant aspirant au fond du gouffre, mais bien au contraire un courant sortant. Le 18 août 1979, Robert Le Pennec et Christian Locatelli découvrirent au fond du gouffre une galerie et la suivirent sur 20 mètres. Celle-ci descend à 47 mètres avant de remonter. Le 6 mai 1980, Olivier Isler parcourt 225 mètres et débouche sur une cavité au dessus du premier siphon. Celle-ci est non noyée. L'association de spéléologie de Saint-Claude a recensé 667 mètres de galerie praticable dont 345 mètres noyés, avec un dénivelé négatif de 47 mètres et positif de 30 mètres par rapport à la surface de l'eau au niveau du trou de l'abîme.  Cette galerie forme 3 siphons.

En 1990, le sentier est équipé et permet l'accès.

C'est un trou de verdure où les herbes en haillons s'entremêlent. Parfois la lumière pleut. Les vents malins ont fait tournoyés les mousses.

Taillis de charmille
Charme, frênes, tilleuls, érables, saules, ormes sous d'épais manteaux de mousses qui déouglinent de leur tronc.

J'ai la sensation de suivre son cours. Vivifiée, je me sens prête à sortir de moi, à cavaler vers ces horizons dont seule cette région nous ouvre sa splendeur. C'est un paysage plus intimiste, caché qui recèle des trésors de curiosités naturelles. Guidée par ce passage étroit que sont les gorges, je m'aventure jusqu'au gouffre drapé de ce voile si étrange qui nimbe l'environnement jusqu'à le rendre moins hostile. Les Gorges de l'Abîme ont été creusée par le torrent qui s'appelle l'Abîme. Le cours de l'Abîme est coupé par des rapides et des cascades dont la plus grande et la plus remarquable est celle de la Combe.

La tourbe scintille comme un duvet qui perle. Je rentre dans son intimité en la caressant et je guette ses réactions. La mousse habille les branches et forme des filets posés là, langoureusement.

"Taffonu" veut dire : trou, résultat d'une érosion à caractère physico-chimyque qui affecte les roches. Certains cristaux se détruisent et se décomposent. Ces modifications sont certainement dues aux changements brusques de température et à l'évaporation de l'eau qui imbibe la roche. L'altération se produit surtout sur le plafond de la cavité, là ou l'air s'accumule.

Là, j'imagine le contact de la chair et de l'eau. C'est endroit est propice à l'épouser dans son lit rassurant par sa transparence. Les truites ondulent les flots.

L'eau mobile offre sa clarté. Du fond des taillis, elle ruisselle et se ravive le long des berges recourbées par la mousse frémissante et mouillée, comme une chevelure qui s'émousse.

Les feuilles endormies sont trempées de pluie, jaspent les gouttes pour s'énivrer ou versent quelques larmes sur cette mousse tendre qui tapisse l'arbre mort. La sève hante ce tronc et de ce tronc renaît un arbre en son sein qui aiguise mes douces pensées.

Mon regard absorbe cet atmosphère. Je savoure le temps sur ce tapis de mousse, toute tendre et douce.

Au pont du Diable subsiste les ruines d'une ancienne scierie qui prenait la rivière et lui imposait le joug de ses roues à augets à la sortie de la gorge, au dessus de la Cascade des Combes où l'eau se déverse. La roue est la conduite forcée et témoigne des méthodes d'exploitation du bois au siècle dernier. L'eau est conduite par un canal d'amenée, appelé le bief. La roue élève l'eau aux trois quarts de son diamètre qui entraîne le mécanisme de la scie. La roue tourne par le seul poids de l'eau contenue dans les augets et sa vitesse dépend de la sous pression de l'alimentation.

Une roue est au milieu du parking.

"Le vallon de Saint-Claude..., avec les falaises grises de ses rochers, a une profondeur, des tourments, des anfractuosités, des abîmes, des vertiges, qui fascinent les yeux"
Lamartine -1815-

Plus haut, une forêt d'épicéa et de hêtres poussent sur les pentes abruptes des falaises du Cirque de Vaucluse. La culture permet de faire des tavaillons, petites bardeaux d'épicéa pour ne pas dire "tuiles" qui venaient habillées la charpente qui constituait l'ossature de la maison. Les tavaillons sont aussi cloués sur "bataillées" planches de façade.

De là les sombres pessières, s'élève vers la Suisse et font office de frontière.

Bernard Clavel puisa l'inspiration de ses romans montagnards dans cette région, mais aussi Marcel Aymé, auteur des Célèbres "Contes du Chat perché".

La ville prend le nom de Saint-Claude au XVème siècle.

Recommandations

Le parc est à l'intitiative de la commune de Saint-Claude. Le départ de ce circuit s'effectue au niveau du Pont du Diable. Les chaussures de marche sont recommandées. Le parcours es équipé d'échelles, ponts et le terrain peut être glissant en période de pluie.

Notes

Un arrêté interdit l'accès pour cause d'éboulement.

Saint-Claude est la capitale de pipe de bruyère.

Passerelle pour franchir l'abîme et poursuivre sur la rîve gauche. Il faut longer la paroi en s'aidant d'un câble. Puis à gauche, un large chemin vous amène le long du canal.

Canal de captage d'EDF abandonné

Accès

Sainte-Claude 39200
(Haut-Jura)
Traverser le village de Saint-Claude, prendre la D69, en direction de Longchemois. Faire 1,5 km et au niveau du Pont du Diable, juste après se trouve une aire pour se garer, sur votre droite. C'est là.

Pour aller à la Cascade des Combes, juste après le pont, à droite.

En aval du pont du Diable, la cascade des combes s'épanouit en éventail avec une chute de 6 mètres de hauteur. C'est à cet endroit que Lamartine chercha son inspiration.

A voir également,

Cascade des Moulins à Vulvoz
Cascade du Moulin d'Aval
Cascade des Combes (Cf. photo ci-dessus)
Cascade de la Viouvre (au Nord de Saint-Claude)
Cascade du Hérisson (Cf. lien futur)
Cascade des Tufs à Baume Les Messieurs ***
Cascade de la Quinquenouille à Dramelay
Cascade de Tuf les Planches à Arbois ***
Cascade "Les pertes de l'Ain" à Champagnole
Cascade de la Billaude
Cascade des Etrès
Cascade de la Cimante (Franche Comté)
Cascade du Moulin du Saut à Nozeroy la Serpentine et les sources de l'Ain
Les Pertes de l'Ain
Bief de Prévérant
Gorges du Flumen à Villard-Saint-Sauveur
Gorges de Malvaux
Gorges de la Langouette
Gorges "Les pertes de la Valserine" à Bellegarde-sur-Valserine (entre Annecy et Genève, sur la gauche) - Suisse
Canyon de Coiserette
Ruisseau de la Pèle
Ruisseau de Germange à Meussia (Franche Comté)
Source de la Loue à Ouhans (entre Pontarliers et Besançon) (Franche Comté)
Saut de la Source de l'Ain à Nozeroy
La maison de Louis Pasteur à Arbois
Village "Lods"
Village "Ornans", la petite Venise Franc Comtoise.
Grottes & Gorges du Pont du Diable à La Vernaz, lieu-dit "Le Jotty"

A prévoir :
Gorges du Fier (Haute-Savoie)
Gorges du Sierroz entre Aix-les-Bains et Grésy-sur-Aix
Sources du Guiers Vif (vers Saint-Pierre-d'Entremont)
Cirque de Saint-Même (résurgence du Guiers)
Canyon de Cramassouri
Canyon de Roudoule
Versoud
Canyon Le Rhéby -Tréfond- (Ain)
Canyon de Segnes (Suisse)
Canyon de Turnigla (Suisse)
Canyon de San Carlo (Italie - Val d'ossola)
Canyon Massasclucht (Italie)
Cascade Le Glandieu (hameau de Glandieu, à la frontière des communes de Brégnier-Cordon et de Saint-Benoît) (Drôme)
Grottes de la Balme 38 La Balme-Les-Grottes (entre Aix-les-Bains et Lyon)
Source intermittente du ruisseau de Fontaine-Ronde dans le Doubs

Tout savoir

En 1921, Léon Bel crée à Lons-le-Saunier un fromage à pâte molle, sans goût prononcé ??? Réponse : La Vache qui rit !

Ou dormir ?

Le Schaeferhof, à Murbach (maison d'hôtes). Le choix des chambres Camille, etc.

Viste virtuelle du camping de Saint-Claude

Visite Virtuelle du camping de Saint-Claude (Haut-Jura)

Bibliographie

 Visite 2013.

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Traduction  : Français,  Allemand, Anglais, Arabe, Hollandais 
Parution : Mercredi 10 septembre 2014
Mise à jour  : 10 septembre 2014
                                         

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Les voyages me font oublier les choses immobiles, posées dans le temps, calées par une date. Même si ce voyage prendra à son tour une date dans la panoplie des souvenirs ineffaçables, j'en fais le tour comme ce sommet.

Un des sommets des Alpes qui m'impressionne le plus, devinez ? C'est le Sassolungo (3281m) pour ses crêtes ciselées dont les pics émergent de la brume. Le Sassolungo est le point culminant du groupe des 8 sommets dans la région du Haut-Adige. C'est le plus haut qui a donné son nom à l'ensemble, "Sassolungo".

Son attrait est quand vous accédez au sommet, de vous retrouver dans son enceinte en forme de fer à cheval dit "Città dei Sassi" (ville de pierres) qui s'est formée il y a environ 230 millions d'année. Ce creux est l'ancien glacier. Son aspect démantelé domine dans un paysage de forêts et pâturages.

Les autres pics de Sassolungo sont "Spallone Sassolungo" (3081 m), "Five Fingers Sassolungo" (2998 m), "Sasso Levante" (Punta Grohmann, 3114 m), "Sas de Mesdi" (3081 m), "Punta Dantersas" (2821 m), "Sassolungo Tooth" (Il Dente, 3000 m) et "Sassopiatto" (2958 m).

Dans les Dolomites, sont énumérés 18 sommets de plus de 3000 mètres d'altitude. L'ensemble a une superficie de 141 903 hectares.

Cette chaîne de montagnes trouve ses limites entre le Val Gardena et le Val di Fassa. Le Val Gardena s'étend sur la partie Nord de l'Alpe di Siussi et abrite les villes de Ortisei, Santa Cristina et Selva.

Le Sassolungo est le sommet le plus spectaculaire des Dolomites.  Il est l'emblême du Val Gardena. Ce massif fait partie des Dolomites occidentales, dans la zone dite "Ladin" qui se propage dans les alpes comme la région des Grisons en Suisse. C'est donc la partie germanique des Alpes par la migration des populations qui utilisent le dialecte dit "ladin". Cette frontière naturelle entre l'Autriche, l'Allemagne et l'Italie court depuis le Moyen-Age mais pris fin en 1918. Bon nombre de chemins de randonnées étaient des voies pendant la guerre.

Le nom allemand du Sassolungo est "Langkoffel" et le nom laden est "Saslonch".

Depuis le 26 juin 2009, les Dolomites sont inscriptes au Patrimoine mondial de l'UNESCO.

Le nom de "Dolomite" vient de cette roche calcaire d'origine marine composée en grande partie de récifs coralliens pétrifiés qui datent du Trias inférieur. Elle est un mélange de double carbonate de calcium et de magnésium, ce qui lui donne la particularité au lever et au coucher du soleil de prendre une couleur pourpre.

Elle fut nommée par Nicolas Théodore de Saussure en hommage à Déodat Gratet de Dolomieu, géologue français du XVIIIème siècle qui fut le 1er à l'étudier. Auparavant, elles étaient appelées "Monti Pallidi" (montagnes pâles).

Contrairement aux autres montagnes, les Dolomites ne comportent quasiment pas de grottes. Le phénomène karstique est pratiquement inexistant. Les intempéries ont favorisé l'effritement de la roche qui donne des formations calcaires variées avec des pics, des aiguilles, des murailles, des pinacles et de vires. Les éboulis qui se trouvent au pied témoignent de cette érosion.

Seule la grotte de Volpera est connue qui se situe après Cortina d'Empezo, sur la route de Falzarego. Puis, se diriger vers le hameau de Mortisa et juste avant Pocol, se trouve l'entrée. Elle est composée d'une galerie qui se ramifie en chambres.

Les autres trous dans la montagne sont d'anciennes voies de mines (clic) ou de guerre (clic)

Cinq doigts

Un téléphérique à 2200 mètres relie Passo Sella à Forcella de saslonch (la fourche). Le refuge "Toni Demetz" est à 2683 mètres d'altitude. Il a été construit par Jean Toni Demetz (Giovanni), guide de Santa Cristina. Le refuge fut construit en 1953 en mémoire à son fils aîné Toni, frappé par la foudre l'après-midi du 17 août 1952 à l'âge de 20 ans. Il était parti accompagné des clients au sommet du Sassolungo. Toni a été brûlé sur les mains et le visage en essayant de sauver ses camarades. La décharge électrique se propagea sur un autre membre du groupe, en le frappant dans le dos. Seul un des membres fut secouru par Giovanni Demetz.

C'est seulement en 1960 que le téléphérique fut construit, ce qui facilita le transport des fournitures et équipements.

Giovanni Demetz est décédé à l'âge de 91 ans, le 8 août 1994.

Son plus jeune fils Enrico Demetz a repris le refuge. Chaque année, une messe est donnée le 17 août en mémoire des alpinistes qui ont perdu leur vie en montagne.

Il est ouvert uniquement l'été, généralement du 25 juin au 10 octobre.

Il est commode de laisser son véhicule dans le parking jouxtant ce complexe. Je vous recommande de gagner le sommet par cette ascension facile qui fait économiser vos jambes sur 493 mètres de dénivelés dans les éboulis du chemin CAI pas. 525, sur une distance horizontale de 1522 mètres. Il faut compter à peu près 1 heure pour gravir ce chemin. Cet ancien glissement de terrain n'a rien d'attrayant.

C'est le point de départ idéal de cette merveilleuse balade qui débute par la descente (sentier N° 525) jusqu'au refuge Vicenza qui est au pied de "Piza Dantersasc" (2256 mètres). Il faut compter 1 heure et quart pour l'atteindre. Avant de démarrer, il faut profiter de la vue panoramique sur la vallée et sur les Alpes autrichiennes.

L'ensemble des sommets du Sassolungo, vu après la descente abrupte qui mène au refuge Visenza, est constité en partant de la droite de : Spallone de Sassolungo, Cinque Dita et Punta Grohmann (3126m), également appelé Sasso Levante.

La pointe Grohmann prit le nom du pionnier autrichien qui monta le premier. Il se nomme Paul Grohmann et gravit pour la première fois, le 13 octobre 1869.

Le refuge Vicenza est ouvert qu'en été.

Le refuge "Vicenza" avec en arrière plan, la "Dent"

Lorsque vous sortez de la cabine, une main vous est tendue afin de ne pas perdre l'équilibre. La cabine est prévue pour deux personnes.

Le chemin est balisé par des marques rouges et blanches.

Panorama Schlern

Le chemin est raide au début et nécessite d'être attentif par la présence de pierres instables. Puis la piste prend le relais. Il y a un vif constraste entre ce creux dont l'accoustique porte comme dans un théâtre avec les vertes prairies des "Alpes di Suissi" que nous apercevons en fond de rideau.

De là, les chemins (sentier N° 526) contournent cette chaîne de montagne dont le plus haut sommet est sur votre droite "Sasso Longo", tandis que le deuxième "Sasso Piato" se situe à 2969 mètres. 

Mais vous pouvez également partir de ce point pour l'escalade par la route "Oscar Schuster" (sentier N° 525). La roche est la plupart du temps de bonne qualité. De nombreuses voies d'escalade sont de niveau 3 à 6. Si vous avez programmé ce choix, il faut laisser sur votre droite le refuge "Vicenza" et prendre les éboulis pour rejoindre la via ferrata "Oskar Schuster". Vous atteignez le début du câble métallique, puis la neige jusqu'à un goulot d'étranglement. Là, cela devient plus technique ! Puis vient le ravin et le terminal constitué d'une entaille dans la roche avec une crête fine surplombée d'une croix en métal. Le retour est borné de cairns.

Que choisir ? Le sens horaire ou anti-horaire ? C'est la question que tout marcheur se pose ! A partir de là, la marche peut durer de 3 à 4 heures. Mais l'effort en vaut la chandelle.

Si vous prenez à droite (N° 526b), vous contournez le Sassolungo pour rejoindre le refuge Emilio-Comici (2155m). Le refuge Emilio-Comici est ouvert qu'en été. Vous atteignez le col "Mesdi" (2124 m) par le chemin d'accès au Crode. Prendre le sentier 526/528. A partir de là, le sentier longe la paroi nord du sommet "Sasso Longo" et peut devenir glissant par la pluie surtout au niveau des rampes étroites. Il y a quelques neiges résiduelles. Puis vous continuez le long de la paroi Est avant d'attaquer la ville de pierre. Le parcours est de 16 km pour une durée de 6 heures.

Si vous prenez à gauche (N° 526a) du refuge "Vicenza", vous tournez autour du "Sasso Piato" pour rejoindre les vertes prairies du plateau. C'est le côté Ouest du massif dont le parcours est de 17 km. 15 minutes après, vous arrivez à une intersection et sur votre gauche se trouve le sentier 527 appelé "High Street", également connu comme la "Haute route des Ladins". Il va au refuge Sassopattio. Si vous souhaitez revenir vers le Passo Sella, il faut rester sur le sentier 526, piste Frédéric Auguste ou voie "Via Stradal". Le chemin Frédéric-Auguste (Friedrich-Août-Weg) est l'excursion recommandée.

Cette randonnée ne comporte pas de passage de grande difficulté si vous restez sur les chemins balisés.

Les vues sont spectaculaires sur les Alpes di Siussi, Sciliar, la Marmolada et Sella.

Au niveau de la faune et de la flore, les alpages sont nombreux. La végétation est formée de forêts de conifères dont les sapins rouges, blancs et les pins sylvestre. De nombreuses espèces de fleurs dont la campanule, le crocus, l'ancolie, l'orchidée des Alpes, l'edelweiss, l'achillée des Alpes, l'oeillet...

Vous pouvez entendre le sifflement des marmottes.

Et bien sûr, voir des troupeaux de vache qui paissent jusqu'à l'heure du bercail.

Le climat est continental et l'été est pluvieux d'où les alpages si verts. Les chutes de neige sont courantes même en été. En 2006, par exemple, il a neigé en juillet.

Je vous conseille de visiter ce site avant de partir en randonnée, pour connaître la météo du jour en temps réel : clic.

 Nota :

Blanche Neige, héroïne du célèbre conte des frères Grimm, ne serait pas allemande mais italienne car elle serait de Monti Pallidi (Les Royaumes perdus des montagnes blêmes), donc de la région des Dolomites. Les personnages des sept nains représentent les mineurs de la vallée des Dolomites. Cette région faisait partie de l'empire austro-hongrois, jusqu'en 1918 et de nombreux allemands y séjournèrent.

Carte utile

VAL DI FASSA - ALTA BADIA  N° 2   Echelle 1:50 000  Edition TABACCO

Accès

De Canazei, la SS 242, vous traversez le Passo Sella. Juste en dessous, sur les pistes de Val Gardena est le parking de la Rifugio Passo Sella.

Hébergement

Canazei, Provence de Trente, Trentin-Haut-Adige, Italie

Biblliographie

Randonnée du lundi 4 août 2014 dans les Dolomites (Italie du Nord).

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Traduction  : Français,  Allemand, Anglais, Arabe, Hollandais 
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 La Grande audace de Klimt !

Klimt continue à décorer les murs et les plafonds ! C'est dans les carrières des Baux-de-Provence que j'ai pu découvrir son oeuvre, conseillée par une blogueuse du Sud "Anemomili". Cet édifice consacré aux arts transforme le lieu, le détourne de sa fonction première comme Klimt le fit par rapport à l'art officiel. C'est la représentation qui amplifie ce phénomène.

Bref, je fus aspirée par cette présentation. Le bonheur, la souffrance, l'apaisement.

Le début de carrière de Gustave Klimt s'exprime dès 1880 par des décorations qui s'intéressent aux symbolismes. Le cycle "Or" dès 1902, l'accomplit. C'est de l'art byzanthin qu'il retire l'or qui marque sa période dite "du style doré".

Au coeur des Alpilles, les carrières de Lumière accueillent des spectacles uniques au monde. Une autre façon de découvrir l'art pictural avec "Klimt ou Vienne", projeté sur les immenses parois qui s'élèvent à plus de 14 mètres de hauteur. Les parois de calcaire blanc remplacent l'écran blanc d'avant ! Les murs et le sol s'illuminent, inspirés par Klimt et ses contemporains Egon Schiele (1890-1918) et Friedensreich Hundertwasser (1928-2000).

L'attrait qui me paraît intéressant à vous déclarer, c'est l'impression d'être dans l'oeuvre, une immersion qui vous happe, vous enveloppe au même titre que les fonds de tableau de Klimt qui mettent le modèle sur un écrin. Mes pas sont devenus très vite, des pas de danse. Le mouvement me fit corps et j'avais l'impression de me mouvoir au rythme des images qui défilaient.

Ce décor est réalisé par Gianfranco Iannuzzi, Renato Gatto et Massimiliano Siccardi. Il est constitué de milliers d'images d'oeuvres d'art qui sont numérisées et projetées sur l'ensemble des surfaces de ces anciennes carrières. Le mouvement est rythmé par la musique de Wagner avec Tannhäuser.

Peintre autrichien (1862-1918), il répand l'Art Nouveau avec des lignes ondulées sur des fresques murales, puis les courbes légères et légendaires qui fondent le corps gracile des femmes. Il fréquente l'école des arts décoratifs de Vienne (1876-1883) et se caractèrise par l'asymétrie des corps, un style qui s'apparente aux estampes japonaises. Il aboutit à des figures érotiques dont les corps sublimés seront détruits par les nazis en 1945, au même titre que les humains.

Emilie Flöge 1897

Sa compagne Emilie Louise Flöge (née le 30 août 1874 à Vienne et décédée le 26 mai 1952) qui restera fidèle jusqu'à la fin de ses jours. Son père est Hermann Flöge (1837-1897), industriel juif. Elle est le quatrième enfant de Hermann Flöge. Elle a un frère nommé Hermann et deux soeurs Pauline et Hélène.

Sa soeur cadette, Hélène se marie en 1891 avec Ernst Klimt, frère de Gustav Klimt. Mais son époux Ernst décède en décembre 1892, Gustav Klimt devient tuteur de leur fille. Gustav Klimt vient fréquemment chez les Flögge, Emilie a alors 18 ans. Ils passent les étés ensemble dans la maison familiale Flöge, au lac Attersee.

En 1895, sa soeur Pauline ouvre une école de haute couture.

Elle a une entreprise de haute-couture et dirige 80 employés. En 1904, avec ses soeurs Hélène qui est veuve et âgée de 34 ans et son autre soeur Pauline qui compte 39 ans, elle ouvre un salon de haute couture nommé "Aux soeurs Flöge", en plein centre de Vienne à Mariahilfer Strasse 1b, dans le 6ème arrondissement. Elle a alors 31 ans. Elle est visionnaire et femme d'affaires. La décoration intérieure est conçue par Josef Hoffmann et Koloman Moser. Leur style prime le confort, de fines bretelles sur les épaules tiennent le vêtement, le corps est libéré du corset. C'est une première étape dans l'émancipation des femmes qui plus tard, clâmeront leur liberté sexuelle avant de s'émanciper avec la dépendance financière et la tutelle de l'homme. Ses voyages à Londres l'amènent à aimer les tendances de Coco Chanel ou de Dior.

Alma Schindler est classée la plus belle femme de Vienne. Elle prendra la place d'Emilie Flöge et deviendra sa muse. De tempérament nerveux, elle perd son enthousiasme devant ces frasque et Emilie tentera de se suicider en prenant une douzaine de somnifères. Elle est phase de guérison et prend conseil auprès de Freud qui classa Klimt comme un névrosé à la recherche d'Oedipe. Il classe son état comme un mal culturel qui l'entraîne dans des choix amoureux allant de la mère à la putain comme dans ses tableaux où le style peut être virginal ou audacieux. C'est dans la série "Le Cycle de la Vie" qu'apparaît seulement la mère. Le thème du saphisme (homosexualité de la femme) et de l'onanisme se retrouvent dans ses dessins. Il lui conseille de garder son indépendance.

Klimt télégraphie à Emilie son retour de Venise suite à une dispute avec Alma Schindler qui deviendra par la suite Mme Alma Mahler-Werfel. Il s'en excusera auprès du beau-père d'Alma, nommé Carl Moll. C'est à cette époque que deux de ses modèles vont donnés naissance à sa progéniture.

Ils entretiennent une correspondance journalière, parfois plusieurs fois par jour lors de ses déplacements à l'étranger. Dans ses courriers, il est un homme du quotidien et fait apparaître l'envers du décor. Il se plaint de manger au restaurant, de s'épaissir ce qui est une gêne pour peindre.

Elle était membre du cercle la "Bohème de Vienne".

Emilie acquièrent une voiture de sport jaune. Deux fois par an, elle se rend à Paris pour évaluer les nouveautés et faire ses choix au niveau des tissus.

Emilie et Klimt portent des robes amples de style "réformateur" qui libère le corps. Dans sa conception, l'on retrouve l'influence du foklore slave, des broderies roumaines et les colliers proviennent de la "Wiener Werkstätte". Par Klimt, les robes prenaient la forme tunique, voire de kimono. Les magazines de mode présentaient des photos de Klimt qui avait appris la photo en tant que professionnel.

En 1918 elle perd Klimt mais continue à vivre 34 autres années, jusqu'à ses 77 ans. C'est une femme secrète et elle enterre avec Klimt, leurs secrets.

La "Wiener Werkstätte" fabrique des objets artisanaux avec des dessins artistiques élaborés par les membres de la Guilde. C'est une coopérative d'artistes qui regroupe plusieurs ateliers d'artistes d'Art Nouveau viennois. Cette coopérative vit le jour en 1910 et avait pour membre en tant qu'architecte Josef Hoffman, mais aussi des artistes décoratifs comme Dagobert Pêche et Koloman Moser qui influençairent le domaine de la Haute Couture. Cette production est vendue chez les artiste comme Paul Poiret à Paris qui rend visite à Vienne pour faire ces choix.

Parmi les clientes étaient Sonia Knips et Friedricke Bière, fille du propriétaire du bar célèbre "Kaiser".

Une des employées fidèles est Herta Wanke.

Jusqu'à la fin de la première guerre mondiale, le magasin fut prospère. Puis, la clientèle s'éloigna. Après cette période austère, les habits prennent des couleurs vives. Les artistes sont attirés par le japonisme. Les pochoirs évoluent car l'intérêt dans l'impression est de faire ressortir la clarté comme dans les modèles japonais.

En 1938, les évènements entraînent la fermeture de sa boutique de la Casa Piccola, par manque de fournisseurs. Le salon était un lieu de rassemblement pour la bourgeoisie de Vienne. Elle travaille uniquement chez elle et à la fin de la guerre, un incendie dévaste son appartement et détruit ses cahiers dont les dessins de Gustav Klimt pour les modèles de ses commandes. Cet incendie semble provenir des Nazis.

Leur relation semble plutôt platonique, un lien étroit les unie qui semble être la sensibilité. Klimt est de douze ans son aîné. Ils ne se marièrent pas. Il est rapporté qu'elle était lesbienne, émancipée et designer. Emilie était sa muse.

Sur ce portrait d'Emilie, elle est alors âgé de 28 ans.

Son cou est lassé de tissu, comme si c'était un objet érotique qui nous amène à réfléchir si le comportement de l'artiste n'était pas un peu sadique. La coupe de la robe ne permet pas de deviner les lignes de la morphologie comme une armure de tissu. La trame du tissu offre de longue torsade serpentiforme, impression renforcée par les points blancs qui évoquent la peau des reptiles. Seuls les mains et le visage apparaîssent dans cet ensemble ornementé. Est-ce une métaphore pour faire remarquer cet impossible amour ?

Le visage ovale est encadrée d'une masse de boucles, seuls les yeux bleus brillent, les joues font ressortir des pommettes accentuées par la poudre.

Le bleu et le vert rappellent le mystique des couleurs byzantines. L'inspiration semble venir du style de la danseuse Isadora Luncan dont les vêtements lâches permettaient le mouvement libéré

La Sécession Viennoise marque la rupture du ban. C'est un groupement d'architectes et de plasticiens dont le mouvement apparaît dès 1892, sous l'instigation de Josef Olbrich, de Josef Hoffmann et de Gustave Klimt qui en est le Président. Ce mouvement s'affiche contre l'ordre moral et bouscule les conventions. Gustave Klimt illustrera cette séduction en peinture, mais le premier terrains d'expression est l'architecture. Les façades des immeubles prennent des formes organiques, composées de fleurs et de motifs végétaux où le vert et l'or prédominent. Des devises s'affichent sur les façades telle que "A chaque temps son art, à l'art sa liberté".

Hans Makart devint le  "Chef Décorateur" de cet art moderne. Son expérience influencera Alfons Mucha. Son oeuvre naîtra de son amour pour les peintres vénitiens dont il reprendra les teintes brunes pour les tons chauds et les teintes bleues pour les tons froids, dans ses natures mortes. Il fut également inspiré par Eugène Lacroix par son sens du mouvement.

Il en est le fondateur avec son frère Ernst. Dans la première exposition en 1898, le tableau "Pallas Athénée" en est l'affiche. C'est la fin d'un siècle et les conservateurs, moralistes refusent cette vision. Ces tableaux sont contestés car ce genre de peinture est contradictoire à l'image du peuple autrichien et sont de ce fait, un délit. Lâchée par les siens, en 1905, il se tourne vers l'Allemagne. Ce mouvement sera repris en Europe.

Le baiser 1905
Der Kuss (en allemand)
Musée du Belvédère à Vienne (Autriche)

Cette oeuvre marque son génie et sera reproduite dans le thème "L'accomplissement" de Adolphe Stoclet. Elle fut cependant précédée de deux autres versions de Rodin et de Munch.
C'est un carré parfait qui représente un couple enlacé sur un parterre de fleur dans une prairie. Leur robe est de style "Art Nouveau" et détache l'homme et la femme par la complexité de chaque vêtement. Pour l'homme, les formes sont géométriques polychrome et pour la femme des arabesques et des fleurs colorées. Seules les têtes et les mains se détachent comme dans les vierges pour montrer la divinité de ce moment ou la passion de l'amour. La force du tableau provient de l'unité car les amants sont enlacés qui lui confère ce côté spirituel. L'homme porte la femme. Le visage de l'homme ne se distingue pas. Ses mains enserrent le visage dans un geste de tendresse. Par la pose de sa tête, elle semble se détourner et esquive le baiser pour laisser place à sa joue qu'il embrasse. Par la pose de sa main, elle semble le repousser. L'homme cherche désespérèment l'amour de la femme. Pour certains, elle évoque une forme phallique par ces flots d'ornements qui s'écoulent sur le coin droit et qui semblent la représentation des spermatozoïdes et donnent la dimension de l'extase après l'acte. Produite à l'huile classique, elle est accompagnée d'appliques de feuille d'or.

Ce tableau pourrait être l'aveu de Klimt pour l'amour d'Alma Maria Schindler, alors âgée de 17 ans.

Cette période est la symbolique.

Il peint la baronne Sonja Knips (1873-1950), née Freifrau Potier des Echelles. Elle épouse en 1896, un industriel du nom de . Son portrait de 1898 dépeind les femmes de la société viennoise.

Chez elle, chaque mur accueille un tableau. Elle est de nature nerveuse avec des tendances suicidaires car dans ce monde, elle se meurt comme une valse infinie. Elle retrouve goût à la vie en se réfugiant dans l'art.

Ce tableau fait partie des sept oeuvres qu'il présenta à la deuxième exposition de la Sécession.

1902-1903 - Le cycle d'or

Les ondines (Sylver fish)

Les ondines filent sous l'eau, elles se déplacent par banc, se frôlent au courant qui emmêlent leur longue chevelure fleurie. Elles aiment frotter leur ventre nu dans la vase. Elles sont aussi appelées "Serpent d'eau" ou "Serpentine".

Les fillettes sont solitaires et rêveuses et sont initiées à leurs jeux.

C'est l'image érotique de la femme, l'homme est caché et la femme apparaît. Ces poissons d'argent représentent les sirènes douées d'un pouvoir de séduction.

Ce sont des muses ambivalentes qui associent la femme et l'eau. Cette image est empreintée de la mythologie féminine ou Aphrodite et les nymphes prennent naissance dans l'écume de la mer.

L'oeuvre "Sang de poisson" fut publiée en 1898 dans une revue autrichienne.

 "Aspiration au bonheur" par le mouvement berçant des vagues, synonyme de plaisir. L'absence des pieds rend la réalité corporelle fragile. Le rêve se substitut au pouvoir direct de la réalité. La position des personnages rappelle l'envol de Mélusine dans les Manuscrits du Moyen-Age. C'est la métamorphose par l'identification de la femme à la couleuvre d'eau. C'est aussi l'image de la sensualité qui se vit sans les hommes et devient un fantasme pour le spectateur qu'est l'homme.

Frise Beethowen

En 1902, Klimt a terminé la frise Beethoven qui représente la Neuvième Symphonie, pour la 14ème Exposition Vienne Sécessionniste qui était destinée à célébrer le compositeur. Elle est destinée à illustrer un décor pour l'architecte Josef Hoffmann qui est chargé de réaliser un monument en mémoire du musicien. Gustav Mahler l'encourage dans cette représentation du bonheur de la part de l'humanité qui souffrent et cherchent l'apaisement dans les arts. Elle fait l'objet de critiques violentes au nom de la morale. Elle est appréciée par Auguste Rodin.

La célèbre "Frise Beethoven" fut acquise en 1903 par le collectionneur d'art juif "August Lederer" (-1936). Elle avait été présentée à l'exposition de la Sécession en 1902. Elle est constituée de 7 tableaux qui offrent 35 mètres de frise. Cette collection fut confisquée à sa veuve Serena Lederer, née Pulitzer, par les Nazis en 1940 lorsqu'elle fuit à Budapest où elle décède trois années après, en 1943.

En 1943, le Troisième Reich avait d’ailleurs parrainé une exposition des œuvres de Klimt à Vienne. Si les nazis haïssaient l’art moderne en général qu’ils qualifiaient d’art «dégénéré», il y avait cependant des nuances dans leur position : en Autriche, Gustav Klimt était même célébré comme un symbole national.

Le 8 mai 1945, certaines oeuvres furent détruites. C'est le jour de la capitulation du Troisième Reich. Hitler se suicide une semaine avant et pour les unités SS, c'est la dernière nuit de la guerre. Ils quittent le lendemain le château d'Immendorf situé dans un hameau de la Basse-Autriche, non loin de la frontière tchèque. Après avoir mis le feu aux treize peintures à l'huile, oeuvres d'art entreposées, ils s'enfuirent.

Klimt avait peint Serena en 1899, sa mère "Charlotte Pulitzer" en 1915 et sa fille Elizabeth Bachofen-Echt en 1916. Comme leur origine était juive, lors de l'exposition, il n'avait pas donné de nom à ces oeuvres. Elles furent donc considérées comme moins importantes et ne furent pas mises à l'abri dans le château. Deux de ces oeuvres furent retrouvées après la guerre, celles de Serena et sa fille lors d'une vente aux enchères et furent restituées au fils Erich, de Lederer jusqu'à sa mort en 1985 à Genève. Ces deux portraits sont maintenant au Musée à New-York.

Lorsqu'il peint le tableau de Serena, c'est le début d'une relation affective. Pour éviter la déportation, Elizabeth prétendra être la fille illégitime de Klimt.

Klimt peint les juifs, son art est de laisser la trace de ces personnes disparues.

Klimt avait présenté à son meilleur client "August Lederer", Egon Schiele. Schiele avait peint le portrait du fils de Lederer, Erich et lui donna des cours d'art.

Cycle d'or "Les Ondines"

composé des "Serpents d'eau", du portrait d'Adèle Bloch-Bauer et de "Danaé".

Frise Beethowen

Les ondines sont des symboles phalliques. Elles baignent dans le mouvement et épousent les courbes du courant.

Frise Beethowen

L'homme enlace une femme, sa nudité cache celle de sa compagne. Les hommes sont rares dans les toiles de Klimt. Ils sont toujours de dos, ils n'occupent qu'une place secondaire. Ils sont là qu'en tant que voyeurs ou partenaires physiques dans l'acte sexuel.

Tragédie grecque

La mythologie grecque évoque le côté sombre. Il est influencé par Frédérich Nietzsche. Elle est née de la musique, le plus pur des arts car il est puisé dans les parties les plus profondes, les plus primitives de la psyché. Il fait référence à Wagner.

La vision de cette période est un espace vide parsemé d'étoiles et qui exprime une vue pessimiste du monde.

1898-1901 - Culture et mythologie

Les peintres donnent une signification profonde à cette culture antique.

Pallas Athéna - 1898 Klimt
Musée d'histoire à Vienne

L'utilisation de la feuille d'or date de l'époque de "Pallas Athéna" (1898). Klimt voyage à cette époque à Venise et Ravenne. Il détourne la représentation traditionnelle du sujet, sur un mode ironique il dépeind sous le visage d'une déesse, les traits d'une femme fatale, dite gorgone à la langue tirée. Elle fut l'affiche de la première exposition "Sécession" en 1898.

Dans les années 1900, il présente sa toile "La Philosophie" qui fait partie d'une trilogie avec "Médecine" et "La Jurisprudence" lors de la septième exposition de "Sécession". Ces peintures lui avaient été commandées en 1896, pour illustrer les voûtes du plafond de l'Aula Magna, hall d'accueil de l'Université de Vienne.

"La Philosophie" est représentée sous la forme d'une sphinge dont les contours sont flous, la tête perdue dans les étoiles avec le cycle de la vie autour, de la naissance jusqu'à la vieillesse en passant par la phase de l'amour. Sur sa gauche, "La connaissance" est représentée sous les traits d'une femme fatale, aux yeux sombres et froids qui fixent le spectateur. Cette représentation indigne les autorités universitaires et considèrent cette allégorie comme une provocation au libertinage et de nuire aux bonnes moeurs. Les journaux s'enflamment et portent cet outrage contre l'enseignement par la pervertion de ses peintures trop érotiques. D'artiste, il devient un personnage peu recommandable car de santé mentale peu stable par ses crises de dépression.

A la suite, "La Médecine" et "La Jurisprudence" amplifient ce mouvement car "La Médecine" représente une femme qui offre son corps et à ses côtés sont la souffrance et la mort.

"La Jurisprudence" est l'image d'un criminel en proie à ses instincts face une justice figée dans une mosaïque d'inspiration byzantine.

L'ensemble de son décor est refusé pour décorer l'Aula Magna. 80 professeurs signent une pétition pour boycotter le peintre.

"Je refus toute aide étatique, je renonce à tout"
Déclaration de Gustave Klimt dans un interview en 1900

Sa première toile "La Philosophie" fut couronné de la médaille d'or de l'exposition universelle de Paris en 1900.

Ces trois oeuvres furent détruites par les Nazis en 1945.

1903

Il fait un voyage en Italie et admire les mosaïques de Ravenne. Il peint les paysage de Toscane avec les cyprès, par petite touche il module les couleurs

1904 - Mosaïque Stoclet

Un riche banquier belge du nom de Adophe Stoclet lui passe commande de mosaïques murales pour la salle à manger de son luxueux palais qu'il construit à Bruxelles sur les plans de l'architecte Hoffmann. Adolphe et Suzanne stoclet

"L'attente" et "L'accomplissement" sont d'une richesse décorative.

 Frise de Stoclet

1905 - La nature

1907 - Espoir

La maternité est l'apport de la femme à la société. C'est la seule vertue de la femme.

En 1903, il prend pour modèle "Herma" pour le tableau "Espoir", il fait des nues quand elle est au terme de sa grossesse. Elle n'a rien de maternel si ce n'est son ventre distendu, elle est le fruit de l'acte amoureux, grande et mince avec ses cheveux.

En 1907-1908, il compose "Espoir II", la tête est inclinée. C'est l'image du dernier grand espoir de l'humanité porté par ces autres  femmes.

Les Trois Ages de la femme
L'Art Klimtien est le cycle de la vie comme Gustav Vigiland,  dans le Parc Vigiland à Oslo en Norvège. Le style est régressif, entre la vie et la mort qui sont annoncés par des effets chromatiques.

La représentation de la jeune femme à l'enfant semble être une madone accompagnée de son enfant et vue de profil une vieille femme affligée, repliée sur elle-même.

"Quiconque désire me connaître comme artiste -et c'est tout ce qui compte vraiement- doit regarder attentivement mes tableaux et tenter d'y glaner ce que je suis et ce que je veux" Gustave Klimt.

1908 - Fin de la Sécession

Il quitte la "Sécession" avec un groupe d'amis comme Carl Moll, Koloman Moser, Otto Wagner et d'autres car il ne s'y retrouve plus. Depuis 1905, il est en désaccord avec les membres.

Il se consacre à la peinture de paysages aux couleurs vives  qui expriment l'allégorie. Il se rapproche du pointillisme de Seurat, Van Gogh et Bonnard.
 

1909 - 1910

Il se retire du style byzantin par l'abandon de l'or et de l'argent appliqué. Il étudie la peinture française et laisse place au volume. Il utilise de nouvelles sources d'inspiration comme Toulouse-Lautrec. C'est l'époque de l'art de l'affiche avec des dessins.

Comme Kees Van Dongen, il se rapproche de la peinture intimiste en effectuant des portraits dans des grandes dimensions pour clamer la beauté des femmes. Par ces compositions aux grandes dimensions, la décoration flatte sa clientèle bourgeoise.

Cette oeuvre n'est pas une commande, il se permet des libertés avec son modèle.

Cette oeuvre "La Dame au boa de plumes" avait été extorquée à son propriétaire juif par les nazis, elle fut restituée aux héritiers en 1998.

Les traits sont bien décrits. Un chapeau noir, un boa de plumes, des cheveux roux, des pommettes fardées, des cils et sourcils soulignés, un regard de biais et des lèvres rouges vifs qui ressortent sur ce teint blanc immaculé.

Le chapeau prend des proportions. Jusqu'en 1910, la mode est au chapeau. Puis sous l'influence du couturier, Paul Poiret, la coiffure est mise en avant avec des rubans et le chapeau est délaissé.

Ce tableau est unique en son genre car le peintre n'a pas décoré le fond d'arabesques qui caractérisent son travail. L'arrière-plan est vide comme celui des jeunes peintres contemporains Schielle et Kokaschka.

Portrait d'Amalie Zuckerandl    de 1912-1913 (inachevé)

Il réalise des nues aux formes érotiques dans des tenues des plus extravagantes. Les couleurs sont chatoyantes et nous envahissent, nous énivrent.

1910

Son art entre la figuration et l'abstraction figure comme un principe, un nouveau langage qui s'affirme comme l'Art décoratif. Ses traits reprennent une symétrie rigoureuse et c'est dans la couleur qu'il nuance et donne une facture impressionniste.

Le portrait d'Adèle Bloch-Bauer 1907

Adèle lui commande un second portrait en 1912. La technique est différente, plus picturale avec des touches brisées. Les couleurs sont plus vives et fraîches, suite à une étude sur la peinture française. L'arrière-plan est oriental, avec toujours l'influence des estampes japonaises. Il utilise souvent les sérigraphies de ces céramiques orientales qu'il a acheté et posées dans son atelier et pour ce tableau, la décoration est inspirée de ces céramiques.

Le tableau d'Adèle fut inspiré des 6 mosaïques du siècle de l'Impératrice Théodora qu'il vit en l'église "San Vitale" de Ravenne. C'est un monument à la gloire de la beauté féminine. La feuille d'or est combinée pour créer l'aura qui définit l'Art Nouveau (Jugendstil) de Vienne. Le visage est détaillé et finement tracé ce qui empêche l'anonymat derrière l'universalité de l'image.


Le portrait d'Adèle Bloch-Bauer fut commandé par Ferdinand Bloch-Bauer. Ferdinand Bloch-Bauer était propriétaire de la plus grande raffinerie de sucre et à ce titre, il devint mécène et grand collectionneur d'art. Adèle était la fille d'un banquier de Vienne

En 1926, Adèle meurt et dans son testament, elle demande à son époux de léguer les deux chefs-d'oeuvre à leur beau pays. La guerre le fait quitter son pays pour la Suisse et les tableaux lui sont retirés et restitués à l'Etat autrichien.

1912

Klimt remplace par un fond bleu, le fond d'or. C'est l'interprétation à la "Mâtisse".

1910 - 1915

Les artistes aiment les thèmes universels. La vie et la mort sont d'usage académique.

Projet pour la frise Stoclet

En 2008, dans le monde de la haute couture, John Galliano reprend ce motif pour sa collection. Jean-Paul Gaultier reprend cette spirale qui orne les robes en aplat sur les corsages féminins. Cet effet visuel est puissant et simule le relief de la poitrine.

L'impressionnisme s'efface dans sa dernière période pour laisser place à l'expressionnisme. Des pièces magistrales et tragiques.

La jeune fille (1912-1913)

Margareth Stonborough-Wittgenstein était la soeur du philosophe Ludwig Wittgenstein et du pianiste Paul Wittgenstein. Elle a épousé le 7 janvier 1905, un riche américain nommé Jérôme Stonborough (1873-juin 1938) qui se suicida. Il avait changé son nom d'origine juive allemande en 1900 car il s'appelait précédemment Jérôme Herman Steinberger. Ils eurent deux fils avant leur divorce. Thomas Stonborough épousa Elizabeth Churchill mais divorça également. Et Major John Jérôme Stonborough, le deuxième fils, est connu comme un officier du renseignement et interprète. Il a épousé la fille Northumberland.

Margareth Stonborough-Wittgenstein a cotoyé Sigmund Freud et s'est faite analyser pendant deux ans. Devenus proches, ils sont restés en contact jusqu'au décès de celui-ci.

Ce tableau réalisé en 1905 est unique et célèbre. Son fils Thomas Stonborough en fut l'héritier et le vendit en 1960 à la Galerie Neue Pinakothek de Munich.

Malcesine est sur le lac de Garde

En 1912, il peint Mäda Primavesi, alors âgée de neuf ans. C'est la fille d'Eugénia Primavesi est née Butschek. Elle est l'épouse d'Otto Primavesi, banquier.  Son épouse était dans la fleur de l'âge, 35 ans, ancienne actrice viennoise.

Il est proche de la famille qui vit en Moravie. Cette famille fait partie de l'élite viennoise juive par sa culture et sa richesse.

Ces portraits montrent un regard confiant, réservé et défiant d'une adolescente. C'est l'époque des théories de Freud sur la sexualité des enfants et des adolescents. Il essaye dans cette série de représenter la profondeur psychologique de ses modèles en insérant des symboles ou des élèments symboliques.

Des lignes diagonales convergent vers le sexe de la jeune fille, visibles ou quasiment inexistantes au final.

Mada Primavesi - 1912

Portrait de Der Ria Munk III    1917-1918  (inachevé)
Frauenbildnis

Maria Munk est née le 6 novembre 1887. C'est la fille d'Alexandre et d'Aranka Munk Pulitzer. Alexandre Munk, riche industriel polonais épousa Aranka en 1882. Ils eurent trois filles dont Lili, Maria (Ria) et Lola. Aranka Munk était la nièce de Joseph Pulitzer et la soeur de Serena Lereder.  Maria Munk se suicida le 28 décembre 1911, à l'âge de 24 ans, lorsque son amant, devenu fiancé, Hanns Heinz Ewers la quitta. Elle prit un pistolet et se tira une balle dans le coeur. Il avait pour vocation d'être libertin.

Ce portrait fut fait à titre posthume, il est le support de la mémoire. Il se nomme Ria Munk III car auparavant, il l'avait peint sur son lit de mort (Cf. Ria Munk I). Pour sa mère, il évoquait trop de mauvais souvenir et elle lui commanda un nouveau qui devait intégrer sa beauté et sa joie de vivre (Cf. Ria Munk II, daté de 1916). Il fut rejeté car il était la représentation de sa fille à demi-nue. Klimt reprit ce tableau et lui changea la tête en lui donnant l'apparence d'une danseuse de l'opéra Holofer de Vienne, nommée Johanna Jusl et l'offrit à Aranka Munk. Sur ce tableau, il allie son inspiration orientale avec le kimono.

La troisième commande est celui de "Frauenbildnis" appelé Ria Munk III, il semble le plus complet de ces travaux mais reste inachevé car il meurt en février 1918. Elle a les joues roses et les yeux foncés, elle pose de biais et se tourne vers nous, spectateurs. Elle tient sa robe fermée. La jeune dame est confiante, avec un sourire doucement rêveur. L'arrière plan est très coloré par une multitude de fleurs, roses et tulipes s'entremêlent à des arabesques de style oriental. Le bas de sa robe et le premier plan sont incomplets, l'on remarque des esquisse de dessin faits au charbon de bois.

Le tableau fut remis à Aranka Munk après le décès de August Klimt. Elle avait divorcée en 1913 de son mari et vivait l'été à Bad Aussee où elle installa le tableau. Elle y resta jusqu'en 1941.

Lorsque Aranka Munch fut déportée en octobre 1941 dans les camps de concentration, les nazis récupérérent ce tableau. Elle fut fusillée le 26 novembre 1941, un jour avant son 79ème anniversaire.

Lola, sa troisième fille fut également envoyée dans un camp de concentration en Pologne, à Chelmno où elle mourut en septembre 1942.

Nuda Veritas 1889

 L'image de la luxure avec les cheveux dénoués et abandonnés. Cette femme nue tient le miroir de la vérité et l'on peut lire au dessus, la citation de Schiller, dans des lettres stylisées.

Au dessus du tableau, cette citation :

 "Si tu ne peux plaire à tous par tes actes et ton art, plais à peu. Plaire à beaucoup est mal"
Friedrich Von Schiller.
Citation figurant sur l'oeuvre de Klimt  "Athéna Pallas"

1916-1918 Les amies

Il aborde le thème de la sexualité féminine.

Jeunes-filles

 Galerie Narodni - Prague (République Tchèque)

1918 - Décès

1918, ses oeuvres restent inachevées par son départ subit. Il meurt d'apoplexie. Son départ semble ce même principe qui le rend un génie.

Puis, avant d'aller voir le film de Jean Cocteau, nous traversons une partie des carrières à ciel ouvert qui relie l'espace dédié à Jean Cocteau.

Les carrières de calcaire blanc des "Grands-Fonds" furent utiliser depuis des siècles pour bâtir les maisons, le château et les monuments du village des Baux-de-Provence. Ces blocs rectangulaires aux parois impressionnantes étaient extraits en enfonçant des pieux de bois ou de fer dans les fissures des strates de calcaire, pour en détacher les blocs. Les Baux signifient en provençal : le Baou, soit l'escarpement rocheux.

4000 m2 de salles où se déroulent depuis 1975 des spectacles audio-visuels car les carrières d'extraction sont devenues des carrières de Lumières.

Elles se situent dans le Val d'Enfer, nom donné à ce lieu dont les grottes inspirées la peur. Les formes bizarres des roches alentours sont dues à l'érosion par l'eau car la pierre contient du carbonate de calcium que l'eau chargée en gaz carbonique dissout.

Les carrières sont la propriété de la commune des Baux-de-Provence.

Jean Cocteau

 Hommage à Jean Cocteau avec la projection "Le Testament d'Orphée".

Influence de Schiele - Cité

 A la suite de la traversée de 100 ans de peinture, un autre spectacle est joint nommé "Les villes invisibles". Elles sont proches du rêve de l'homme car c'est la recherche de la ville idéale. Concoctées par l'imagination et des fragments de réalité, elles forgent l'avenir par l'utopie du présent.

Portrait de Eugenia Primavesi (1913)

Judith 
Dans l'ancien testament, Judith est une femme veuve et vertueuse. Elle est séduite par Holopherme qui donne une fête en son honneur. Enivré, il s'endort et elle lui tranche la tête. Elle symbolise l'héroisme.

Elle expose ses seins dans sa robe d'or, elle se pâme d'extase comme si la mort n'était pas un acte vertueux mais un plaisir sensuel. Judith est une héroïne juive.

 à gauche : Judith (1901) et à droite : Judith II (1909)

 Idylle

"Danae" (1907-1908)
Elle fut aimée par Zeus et aurait pris l'apparence d'une pluie d'or

Bibliographie Klimt

Né  le 14 juillet 1862 à Baumgarten à Vienne (Autriche), son père Ernest Klimt est orfèvre ciseleur et sa mère Anna Finster est chanteuse lyrique méconnue. Il est le deuxième enfant d'une famille de sept qui comprend trois garçons et quatre filles. Deux des soeurs se nomment Klara et Hermione.

Dès le début, les trois fils affichaient des talents artistiques. L'enfance se déroule dans la pauvreté. Ils déménagent souvent par la situation instable du travail de son père. Ils habitent dans des baraquements où l'argent manque mais pas la vie, lorsque les affaires de son père sont absentes.

C'est donc tout naturellement qu'il poursuit cette voie et rentre à l'école des arts décoratifs de Vienne, après avoir obtenu une bourse en 1876 où il suit une formation de peintre architecte, jusqu'en 1883. Dans ces dessins, il a une précision photographique.

1877, il réalise des portraits d'après photographie.

En 1880, alors âgé de 15 ans, il crée la compagnie des artistes avec son frère Ernst âgé de 16 ans et Matsch (18 ans) qui s'installe avec lui dans cet atelier.

1885, il exécute avec ses compagnons la décoration de la villa Hermès à Lainz. C'est la retraite favorite de l'impératrice Elizabeth.

En 1886, il décroche le premier contrat pour peindre le plafond du "Burg Théâtre" par un concours de circonstance car Hans Makart décède subitement et l'ensemble de ce corps de métier n'ont plus de possibilité au niveau des commandes. Soit dix plafonds du théâtre à réaliser dont la rétribution est au delà des attendus.

Il peint le musée des Beaux-Arts à Vienne. Son style évolue et s'éloigne de celui de son frère et de Franz Matsch. Avec ces motifs de l'Egypte ancienne et de l'Antiquité Gréco-Romaine, il représente l'Art Nouveau Viennois.

1888, il est décoré de la croix d'or du mérite artistique.

En 1890, il rencontre Emilie Flöge. Elle s'engage entièrement dans cette relation, mais lui est incapable de se consacrer entièrement à elle. En ces débuts des années 1890, il se lie d'amitié avec des écrivains dont Arthur Schniltzer, Hofmaansthal et Hermann Bahr. Il s'intéresse au symbolisme, ainsi qu'à l'impressionnisme français.

1890, il remporte le premier prix de l'Empereur, pour sa gouache "Salle de l'ancien Burgtheather".

1891, il a une commande pour les fresques du grand amphithéâtre de Vienne "Aula Magna".

En 1892, il dessine deux billets pour la banque nationale d'Autriche. Franz Match a la charge d'un autre. Leurs motifs ne sont pas retenus et Gustav Klimt s'en plaint à l'imprimerie.

Son père meurt d'apoplexie et son frère Ernst décèdent cette même année, en 1892 et il doit assumer la responsabilité financière de son frère et de sa mère.

Il dissout l'association.

En 1893, il voyage en Hongrie. Le Duc Esterhazy lui passe commande pour la peinture de l'auditorium du théâtre du château Esterhazy à Totis.

En 1894, il a une commande pour créer trois peintures afin d'orner le plafond de la grande salle de l'Université de Vienne : "La Philosophie, la Médecine et la Jurisprudence" qui furent classées pornographiques, suite aux protestations du public. Ces tableaux furent détruits en 1945.

En 1895, lors d'une exposition à Vienne, il découvre les oeuvres de Liebermann, de Félicien Rops, mais aussi de Klinger, Böcklin et Rodin. C'est le début de la période symbolisme.

Il rentre dans une crise profonde et en 1897, il s'arrache de son expression stylisée pour se surfaire sur le thème de l'amour, puis de l'érostisme. Le corps humain est transcendé dans sa fragilité.

Il est en rupture avec la société, il participe à la fondation le 3 avril 1897 de l'Union des Artistes Figuratifs qui est appelé "Sécession" composée de dix neufs autres artistes de la Küntlerhaus de Vienne. Président, il a pour objectif de réformer la vie artistique de cette époque. Il veut élever l'art "Autrichien" à une reconnaissance internationale en prenant la source sur les arts dits "mineurs", c'est-à-dire de joindre l'utilitaire à l'art afin de transformer la vision de l'art. La conscience prime et met au deuxième rang l'art académique. Cette ère nouvelle sera la réponse au mouvement "Art Nouveau" en France et au "Jugendstil" en Allemagne.

Il crée en 1897, le journal "Ver Sacrum" ou "Le printemps sacré" avec ses amis Moser, Josepht M. Olbrich et Carl Moll. Cette revue se consacrera aux Arts et sera le moyen d'expression de la fondation "Sécession".

Joseph M. Olbrich crée un édifice dédié aux arts pour donner libre cour aux jeunes artistes figuratifs dans un lieu d'exposition permanente de leurs oeuvres.

A partir de 1897, il passe tous ses étés à Attersee, avec la famille Flöge.

De nature timide, il vit malgré sa relation avec Emilie Flöge, avec sa mère et ses deux soeurs jusqu'à sa mort. Un homme effacé derrière son oeuvre. Voilà l'ambivalence car il est donc réservé et précurseur du mouvement qui amène l'Art Nouveau.

De sa vie, il n'achètera un appartement.

1897, il entretient une relation avec sa belle-soeur Hermine Klimt, veuve de son frère Ernst Klimt.

1899, il eut une aventure avec Alma Mahler-Werfel (1879-1964). Il l'a rencontre lorsqu'elle a à peine dix-sept ans et elle avait un pouvoir de séduction extraordinaire. Elle est la fille du renommé paysagiste Emil Jakob Schindler et de la chanteuse Anna Berger. Elle grandit dans un environnement bohème et évolue au milieu des artistes révolutionnaires. Elle a une éducation libre et exprime ses opinions. Elle peut échanger avec les principaux artistes de la gotha de la vie intellectuelle de l'époque. A cette époque, son père décède subitement, alors qu'elle est très jeune. Il devient son image de l'homme. Sa mère se remarie avec Carl Moll, devenu son beau-père. Elle ne lui accorde aucune attention. Malgré son jeune âge, elle est autorisée à participer aux diners qui rassemblent les plus grands esprits créatifs de cette époque. Alma fait tourner la tête par l'insolence de son jeune âge et la passion exaltée qui la caractérisa tout au long de sa vie. Dangereuse séductrice, Alma est attirée par la célébrité de cet homme qu'est Klimt, connu comme un séducteur. Leur premier baiser est à Venise. Elle l'écrit dans son journal intime qu'elle tient comme tant d'autres jeunes filles. Elle a une plume libérée et une insolence impudique. Sa mère y découvre cette passion. Sa mère demande à Carl Moll d'intervenir. Carl Mohl  l'accompagne avec un cercle d'amis à Venise et rentre dans une colère noire car l'artiste et ami est bien plus âgé. Il lui interdit de fréquenter sa belle-fille. Leur liaison n'est que querelle, il s'en exprime dans un courrier adressé à Carl Moll. Cette passion sera inachevée comme nombreux des tableaux de Klimt. Le tableau "Le baiser" de Klimt semble figer cet instant. Alma fait ses premières expériences érotiques avec son professeur de piano, Alexander Von Zemlinsky. Le suivant sera Gustav Mahler, compositeur, qui devint son premier époux. Elle le trompe avec Walter Gropuis, il consulte Freud qui est en vacances en Hollande, à Lieden. Elle se maria trois fois, le second mari fut l'architecte Walter Gropuis, le dernier est le poète praguois Franz Werfel. Avec Oskar Kokoschka, elle eut une folle histoire d'amour, mais elle décrit son amour pour Gustav Klimt comme un grand accord et plein de passion. Elle est appelée "La veuve aux quatre arts" car elle a composé avec 4 artistes dont un compositeur, un peintre, un architecte et un poète.

"le seul homme que j’ai et que j’aurai sans doute véritablement aimé "
Journal intime d'Alma Margaretha Maria Schindler, en parlant de Gustave Klimt.

Parallèlement à cette nouvelle relation avec Alma, il a deux mois plus tard un premier fils Gustav Hoshitski et deux mois après un nouveau fils encore appelé Gustav mais Zimmerman. C'est cette situation qui entraîne que sa relation avec Alma devient caduque et s'achève à Venise.

De sa correspondance avec sa compagne Emilie Flöge, il ressort qu'il n'aimait pas les mots. Peu et insignifiant.

Il entreprend des voyages à travers toute l'Europe.

1902, il rencontre à Vienne, le sculpteur Rodin.

Il avait des relations sexuelles avec tous ses modèles. Il croque leur pose. La nudité est couverte de ses ornements et laisse entrevoir que partiellement pour donner la tentation. Malgré les nombreux croquis, il gagne sa vie avec la peinture. Par le biais de la perspective, il attire l'attention sur leur sexe ou leur poitrine. Il est taxé de pornographique, ce qui le met dans une colère noire.

Il refuse que les visiteurs viennent à l'improviste à son atelier. Pour ce faire, il affiche sur l'entrée "Inutile de frapper, on ne vous ouvrira pas". Sa peinture est intime et bouscule les conventions, les valeurs morales, jusqu'à entraîner des polémiques.

Les salons d'exposition sont interdits aux femmes de moins de 18 ans.

Il adorait les chats. Les chats vivaient avec lui dans son atelier et avaient pour jeu de détruire ces croquis qui étaient un processus préliminaire pour sa peinture. Comme les chats croquent ses croquis, lui croque les femmes dans ses croquis. Il est attiré par le sexe et la poitrine. Il a un penchant pour saisir les femmes entrain de se masturber, la visage légèrement détourné, absorbée dans leur propre plaisir, les yeux clos.

Klimt peint en sandale avec une blouse pour unique vêtement.

1909, il voyage à Paris et à Munich.

1910, il participe à la Biennale de Venise.

1916, il expose avec les peintres Schiele et Kokoschka.

Quatorzes enfants naîtront de ses amours. Deux garçons de Marie Zimmerman dont un se nomme Gustav Zimmerman et un de Maria Ucicky furent reconnus, les autres sont des enfants naturels. Le fils de Maria Ucicky prit le prénom de Gustav en l'hommage de son père, il devint réalisateur de films. Deux de ses fils meurent dans la petite enfance. Il fut désespéré à la mort de son fils Otto. Avec Marie Zimmerman surnommée "Mizzi", il eut trois enfants et elle fut sa dernière liaison qui dura dix-huit années. Sa relation fut très différente car ils ne partirent jamais en vacances ensemble et ne se présenta à aucune soirée mondaine avec elle. Ce rôle était dévolu uniquement à Emilie. Il ne pourvut pas à l'éducation de ses enfants. De temps en temps, seulement, il leurs donnait de l'argent de poche.

"On ne désire pas ce qu'on aime, on n'aime pas ce que l'on désire."
disait Freud en parlant de Gustave Klimt.

1894, l'Université de Vienne lui commande une série de tableaux avec un thème imposé "La philosophie". Son inspiration fait scandale.

1897, il fonde le mouvement "Sécession".
1898, première exposition qui obtient un succès.

"Je ne connais moi-même pas vraiment mon caractère et je ne souhaite même pas être au clair là-dessus. La seule chose que je sais avec certitude, c'est que je suis un pauvre fou..."
disait Gustave Klimt à Carl Moll dans sa correspondance en 1899.

1904 - Avec d'autres artistes, il contribue à la décoration du Palais Stoclet. Mr Stoclet est un riche industriel belge.

1905 - Prix Romana à Berlin
           Il peint cinq femmes enveloppées de fourrure.

1906 - Membre honoraire de l'Académie royale bavaroise de Munich
1908 - Médaille d'or pour les trois âges de la femme lors de l'expostion d'art à Vienne1911 - Premier prix lors de l'expositon à Rome.

1915 - Sa mère Anna décède.

1918 - Il a une attaque cérébrale qui entraîne une paralysie partielle. Il est mis dans un sanatorium, puis à l'hôpital pour être soignés d'escares. Le 11 janvier 1918, il a une attaque d'apoplexie. Sur son lit de mort, il réclame Emilie Flöge. Décés de Klimt, le 6 février 1918, des suites d'une pneunomie développée avec la grippe espagnole. Il est enterré au cimetière de Hietzing à Vienne.

Il est rasé pour les funérailles, seule une moustache encadre sa tête. Egon Schiele fait son portrait sur son lit de mort.

Son oeuvre comprend 230 tableaux, composés de 54 paysages ; mais aussi 3700 dessins.

           Hitler s'intéresse à la peinture de Klimt, sans connaître l'existence de ces modèles. Lorsqu'il découvre cette alliance avec les juifs, il contribue à ce que ces oeuvres disparaissent.

Emilie Flöge a hérité de la moitié de la succession et l'autre moitié est revenue à la famille du peintre.

"Le salut de l'homme passe par l'Art"
Gustave Klimt.

Bibliographie Egon Schiele

Né le 12 juin 1890 à Tulln an Der Donau, près de Vienne. Dès son plus jeune âge, il maîtrise le dessin et rentre à l'Académie des Beaux-Arts de Vienne en 1906. En désaccord avec le conservatisme qui y règne, il quitte l'Académie pour fonder avec d'autres dissidents un groupe d'Art Nouveau, appelé "Neukunstgruppe".

A 17 ans, il rencontre Gustave Klimt qui a alors 45 ans qui devient son maître spirituel. Leurs idées fusionnent et il rentre dans le cercle d'amis de Klimt. L'attrait de la Sécession Viennoise ne dure pas malgré qu'il refuse les normes, car ses peintures donnent corps à des portraits de style plutôt dépouillé. C'est dans la physionomie qu'il se fait remarquer car les corps sont décharnés et les portraits torturés.

Il traite les modèles en plongée pour donner de la perspective et les contorsionne. Il utilise la technique de Rodin, c'est-à-dire qu'il dessine en regardant son modèle et non sa feuille.

Il décède à Vienne le 31 octobre 1918, la même année que Klimt.

Bibliographie de Freidenreich Hundertwasser

Né en 1928 à Vienne, il est un peintre-architecte qui s'est fait connaître pour ses écrits engagés notamment sur le respect de l'environnement et la paix dans le monde. Ses réalisations sont signées par l'asymétrie, le foisonnement organique des formes et des couleurs. Ecologiste convaincu, il met au centre de ses oeuvres, la Nature. L'eau est une source d'inspiration au même titre que Klimt.

Ces motifs itératifs et hynoptisants comme les spirales sont de véritables obsessions. Il puisent ses connaissances de par ses voyages dans le monde où il arrive à s'acquérir notoriété.

Lecture associée

Livre "Klimt" par Gerbert Frodl
Livre  "Gustav Klimt et Emilie Floge : un artiste et sa muse" de Wolfgang Georg Fischer
Livre "Flöge et Klimt - une affaire de famille" de Paul Simpson
Livre "Klimt et la mode" - édition Assouline
Livre "Alma Mahler" journal intime - édition allemande - 750 pages
         (traduction française de la moitié par Alexis Tautou - Bibliothèque Rivage)

Exposition

"Klimt en personne" Musée Léopold à Vienne en 2012
"Klimt ou Vienne" en 2014 - Les Baux-de-Provence

Bibliographie

Visite du 1er juin 2014

Promenade en barque sur le lac Attersee. Klimt est en villégiature à Attersee (région de Salzkammergut) de 1900 à 1916. Il loue la villa Paulick.
En blouse de peintre, il se promène. Ce lac l'inspire par sa couleur bleue turquoise, ces forêtes environnantes et les prairies. Il prend souvent les lunettes d'opéra ou le téléscope pour visualiser les futures mises en scène.
Gertrude, la nièce d'Emilie les accompagne souvent. Richard Teschner, artiste "Art Nouveau" et ami, les accompagne pendant les vacances. En 1916, la première guerre mondiale interromp le choix de cette villégiature. Il semble que de cette période, il s'est consacrée aux femmes énumérées au nombre de 12. De ces nombreuses conquêtes, naîtront quatorze enfants.
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Traduction  : Français,  Allemand, Anglais, Arabe, Hollandais 
Parution : Samedi 1er juin 2014
Mise à jour  :  1er juin 2014
                                         

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L'année dernière, "la Comédie du Livre" nous entraînait dans le monde de la littérature contemporaine du magrheb et l'Algérie était le pays invité. Cette année, pour la 29ème édition, les grands auteurs du siècle dernier étaient à l'honneur. Présents dans les livres, je me rendais sur les stands pour savourer cet instant unique de les découvrir.

Lamartine me salua, mais je me dépêchais d'aller voir Victor Hugo. Je tenais le livre de mon grand-père "Les Misérables" en vue d'un autographe. Les pages, à certains endroits, endommagées par le processus du temps me rappelaient qu'avant moi, ma mère, mon grand-père et quelques invités illustres de la famille avaient dû percer cette histoire au travers de cette édition.

Le marque page m'indiquait de me rendre à ce salon pour l'y rencontrer. 130 ans après, cette "Comédie du Livre" dont le programme ne citait pas Victor Hugo, me faisait rencontrer ces grands noms qui seraient célébrés au même titre que les auteurs nordiques, venus du monde entier.  Après le Sud, le Nord ! Oui, cette année la croisière est nordique si vous y participez. Vous traverserez le Danemark à destination de la Suède, puis vous vous dirigerez vers la Norvège, en vue d'atteindre la Finlande et si vous le souhaitez pourquoi pas : l'Islande. Dans le catalogue qui me fut délivré à l'entrée, les ateliers étaient notés et je cherchais le lieu de ce RDV, en vain.

Seul mon marque page m'informait de cette visite inhabituelle. Cette 29ème édition avait été programmée en 1885, l'année de la mort de Victor Hugo. Elle s'ouvrait le 22 mai, le jour de sa mort. De plus, il était membre de la "Comédie humaine" d'Honoré Balzac. Mon livre faisait partie d'une série qui avait été livrée avec une brochure de ces rencontres.

Je feuilletais les pages pour vérifier si une annotation me permettrait d'avoir plus de renseignement et je m'aperçus que cette Comédie du livre avait été créée en 1985 à Montpellier par quelques librairies indépendantes au moment du centenaire de la mort de Victor Hugo. Que de coïncidences !

J'étais entourée d'amoureux du livre et cette manifestation, unique en son genre, m'octroyait la possibilité de rencontrer l'auteur qui m'avait fait découvrir cette passion.

Le passé et le présent se mélangeaient. Au Pavillon Populaire, face à l'Esplanade, mon regard fut attiré par Herbjørg Wassmo, Romancière et auteur de sagas qui dépeignent la nature norvégienne. Nommée "la plus grande dame des lettres du Nord", je vous la recommande.

Puis, la présence de Jo Nesbo me rappelle que je suis entrain de lire "Le Bonhomme de neige" !

Et c'est à l'espace Rencontre que s'ouvrait mon aventure ! Je ne tenterai pas de répondre à vos questions, je vous décris seulement cette expérience. Victor était debout, sa canne martelait ses pas comme une minuterie qui me fit considérer que le temps était précieux. Son visage était singulièrement flétri par ses pensées et les rides avaient fixé la souffrance. Sa barbe grise cachait son menton et son nez se retroussait pour retenir ses binocles. Son habit noir boutonné, lui donne l'allure d'un orateur prêt à séduire ses admirateurs. J'entrais dans la salle Pétrarque. J'avais l'impression d'entraîner avec moi mes chères et chers blogueurs bibliophiles pour concrétiser ce souhait profond de mon grand-père.

"Ce siècle avait deux ans » quand naissait ce Grand homme prénommé Victor Hugo qui a bouleversé non seulement le monde littéraire et artistique, mais aussi la sphère politique de son époque jusqu’à aujourd’hui. Mon grand-père, né cent ans plus tard à cette même date, m'avez laissé son livre pour mémoire.  1802, 1902 que de date en souvenir. Tous les éléments de mon enfance me faisaient face. Ce n'était pas un voyage intérieur au plus profond de mon âme car je scrutais la salle. Je me retrouvais qu'avec des grands noms qu'il faut dire avaient été absents depuis plusieurs générations.

Leur silhouette évoluait autour d'un buffet. Le décor m'énivrait. Derrière les tentures de l'entrée, une envolée de plante, dans des vases ventrus, amenait à la discrétion. Au fond de cet office, les tables étaient garnies de petits fours qui produisaient un joli effet. Je devais faire l'apprentissage de la lenteur pour éviter de perdre cette vision. J'improvisais un itinéraire car cette aventure, aussi intense, se devait d'être conservée pour vous la rapporter. Mon esprit vagabondait à la vue. Leur engagement sur les fondements mêmes de la liberté était ancré dans mes pensées. Comme Emile Zola, il avait écrit sur l'intime et le singulier de la nature humaine. C'étaient les Maîtres du livre qui avaient fasciné mon enfance.

Je salue Honoré Balzac qui vient retrouver son ami. Alphonse Lamartine discute avec Alphred de Musset qui est au stand des "Poètes" où j'aperçois "Les Orientales" de Hugo.  En ce lieu, des vitrines sont présentes et la lumière immacule l'objet. Je m'attarde autour des oeuvres de Victor Hugo et je suis interpelée par le titre "L'homme qui rit". Une oeuvre finalement peu connue qui semble retracer sa destinée et qui me rappelle le calembour "Je pense et je panse". Ces oeuvres sont magistrales et donnent à philosopher sur la conscience humaine qui a bouleversé le XIXème siècle.

A côté, Théophile Gautier lit un extrait de "Hernani", sa pièce de théâtre.

Je rejoins le stand "Pièce de Théâtre" pour chercher "Le Roi s'amuse", pièce jouée pour la première fois à la Comédie-Française qui n'est plus censurée à notre époque.

Soudain, j'entends que l'on débat et me retourne pour apercevoir Alexandre Dumas en pleine discussion politique avec Chateaubriand, au sujet de Napoléon Bonaparte. Je m'éloigne car les romans historiques ne m'intéressent pas.

Georges Sand est là, elle a quitté son Berry pour présenter son dernier ouvrage. Je suis contente de la voir, j'ai visité sa maison de Nohant l'année dernière. Mon service de table est à son effigie.

Rien de plus troublant et énigmatique que ce lieu, j'étais fascinée d'être face au Chef du Romantisme qui a connu le succès de son vivant. Ces épigones qui présidaient cette 29ème édition.

Ils exaltaient leur oeuvre, leur fonction universelle, leur valeur était le seuil des nouvelles générations d'écrivains. Je ne voulais pas briser cette harmonie. Leur génie littéraire transcende toute la complexité de leur vie.

Heureux qui comme nous autres viendront voir ces débats nourris comme le café d'une pointe de force, d'arôme et d'acidité. L'on pense déjà au générique du film "La liste de mes envies" dont le livre est un best seller.

Bonne Comédie !

Notes

Après le "Salon du livre" de Paris, la "Comédie du livre" est la deuxième manifestation du genre la plus importante en France. C'est une grande fête sur la culture littéraire qui permet les rencontres entre les auteurs et le public. Une idée qui a été mise en place par trois librairies indépendantes de Montpellier en 1985. Plus de 110 000 visiteurs parcourent les stands dans l'Ecusson et la fameuse place de la Comédie.

Trente cinq auteurs du Nord seront rassemblés dans des stands pour clamer la littérature nordique en vogue. 300 écrivains participent à l'évènement.

A quoi pensez-vous quand je nomme "Montpellier" ? A la mer, le soleil... et pourquoi pas à la lecture sur la plage !

2014 - 29ème édition : littérature du Nord
2013 - 28ème édition : littérature du maghreb
2012 - 27ème édition : littérature du Royaume-Uni
2011 - 26ème édition : littérature allemande
2010 - 25ème édition : littérature d' Amérique du Nord
2007 - 22ème édition : littérature italienne
2005 - 20ème édition : littérature brésilienne

Info pratique

Comédie du Livre du 22 au 25 mai 2014, Montpellier, Hérault
Ou ? Esplanade Charles-de-Gaulle
Tarif ? Gratuit
Accès ? Tramway Ligne 1 et 2 (arrêt Comédie) - Ligne 3 et 4 (arrêt Gare-Saint Roch)

La Comédie du Livre sur Facebook

Candidature pour être "Ambassadeur du livre" : Accueillir et accompagner les auteurs invités durant toute la manifestation

Bibliographie

Essai - Dimanche 25 mai

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Traduction  : Français,  Allemand, Anglais, Arabe, Hollandais 
Parution : Dimanche 25 mai 2014
Mise à jour  :  25 mai 2014
                                         

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Qui aurait pu imaginer que Cuenca, la ville réputée pour ses maisons suspendues "casas colgadas", cachait une autre ville "La Cuidad encantada" ? Lorsqu'on atteint la ville, il est difficile d'imaginer que derrière, à une vingtaine de kilomètre au dessus, se trouve "La ville enchantée" qui garde son trésor de dolomites.

Dans ce lieu, un essaim de figurines se donnent en spectacle. Un théâtre en plein vent où les décors sont naturels et fantasmagoriques. Des figures humaines, des animaux, des objets viennent planter le décor de cette ville mystérieuse.

Ces formations rocheuses de type karstique sont dans le massif de la  "Serrania de Cuenca Alta" à l'Est à 1400 mètres d'altitude. La pierre hétérogène a permis cette usure inégale par les différents éléments tels que le vent, la glace et d'anciennes mers, il y a quelques millions d'années. Le site comprend 230 hectares. Elles prennent un relief par l'érosion qui progresse et crée des galeries internes. Les eaux chargées de dioxyde de carbonne se sont infiltrées dans les fractures et ont donné à cet ensemble des formes tourmentées et ruiniformes car les galeries se sont effondrées au cours des siècles.

La végétation est constituée de pins "Maurice" et de genévriers. Vos pieds fouleront du thym et des lavandes et cette note bien agréable, parfumera votre chemin.

La première vue est ce monolithe isolé, en forme seta (tormos), qui est le symbole de la ville enchantée. C'est ici que furent déposées les cendres de Viriato, un berger lisuthanien qui lutta contre l'abus des Romains et devint Chef hispanique.

Puis tu découvriras de profil, ce faux-terrier. Oui, n'hésite pas apporte ta propre imagination pour lui donner un nom. Car ici, chaque pierre a un nom. Normalement, lorsque les êtres humains naissent, on s'accorde que tel ou tel nom leur convient, mais pour ces drôles de sculptures, qui se sont formés au fil du temps, les noms furent définis en fonction de leur apparence, pour les plus remarquables.

Puis, tu pourras rencontrer le visage de l'homme, la mer de pierre, la tortue et bien d'autres.

Et maintenant, défile les ours.

Ici un champignon, là un bestaire ou une cité sont placés là par la nature, aidée par l'érosion.

Avec un peu d'imagination, vous pourrez voir sur un parcours de 3 km d'immenses formes.

J'entends le soupir des amants de Teruel, la pierre vibre et porte leur affection. Ils sont liés par le sol et le temps les rapproche.

La ville enchantée a été déclarée site naturel, le 11 juin 1929. L'origine de ces formations remonte à 90 millions d'années, période du "Crétacé". Ce phénomène géologique fait partie du fond de la mer Thétis qui recouvrait une grande partie de la péninsule ibérique. Le dépôt de sel, principalement de carbonate de calcium a entraîné avec les changements climatiques, cette érosion.

L'accès n'est pas gratuit. Vous devrez débourser 3 euros par personne.

Voir dans les environs

La route des vrilles à Enguinados (rivière Cabriel) avec baignade à la playeta de la Lastra au niveau de la chute d'eau. Continuer après le hameau de la Hoyas

La fenêtre du Diable (Ventano del Diablo) qui donne sur la rivière Jucar

TOP  10    CASTILLE

TOP  10    ARAGON

Bibliographie

Visite du 8 mai 2014

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Traduction  : Français,  Allemand, Anglais, Arabe, Hollandais 
Parution : samedi 10 mai 2014
Mise à jour  :  10 mai 2014
                                         

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L'Îsle-sur-la-Sorgue - Après Londres et Saint-Ouen, cette foire à la brocante suit son cours.

J'entends les vocalises et sur cet air de fête qui amène les anglais, les italiens, les allemands à l'Isle-sur-la Sorgue, je rentre dans cette foire qui depuis 1966 tourne comme les roues à aubes.

L'Isle-sur-la-Sorgue offre deux fois par an, sa foire à la brocante. Aujourd'hui, c'est le marché du Samedi, mais également la brocante des fêtes de Pâques. Le reste du temps, l'Isle vit au rythme de la Sorgue qui calme ses hardiesses le temps de l'été. Les aubes mousseuses en témoignent. Les algues au mouvement ondulatoire donnent le tempo. L'eau limpide attire les clients qui prennent place aux tables disséminées tout au long de la Sorgue. Les vieux, un coude sur la table, tendent leur bras veiné comme le marbre pour trinquer devant un 51. Ils remettent cette laborieuse prouesse au moins deux fois, à l'ombre des ormeaux.

Ici, le temps inverse son cours. Le présent reflue dans le passé. Il laisse place aux horloges figées, aux objets qui demandent qu'à reprendre vie. Même le zinc pétrifié attend celles qui veulent l'arracher de cette lente agonie.

Entre les rires et les larmes, le vent emporte la douleur et laisse place à la joie. Aujourd'hui, il est présent et le temps est vivifiant. Nous sommes habillés légers et le Mistral est de la partie. Rire.

Tout au long des canaux, des boutiques invitent les touristes ravis à explorer leur fonds de commerce, tandis que les jeunes filles explorent avec leurs jambes le cours de l'eau et les dames arrosent leurs gorges de cette eau brassée restituées par les pales, en rideau. Les enfants lancent leur goûter aux canards qui remontent le fil de l'eau pour explorer les berges.

Sur un air de brocante, les artistes viennent. C'est ici que j'ai vu Arditi et sa compagne Evelyne Bouix. Nous avons partagé notre table pour se restaurer. Dave a fait escale "Au Chineur" où samedi, nous avons pris table.

Renaud Séchan fait ses courses avec sa 2 CV, puis se rend déjeuner au bord de la rivière. Il aime faire la rentrée dans le Vaucluse, lorsque l'Isle-sur-la-Sorgue s'est vidée de son agitation et reprend son intimité.

Patrick Bruel y séjourne.

Arthur Young, physiocrate rentra dans une auberge en 1788 pour souper avec des truites et des écrevisses qu'il citait comme les plus exquises du monde. L'eau de la Sorgue est réputée fraîche et donne du poisson de qualité. Les canaux autour de l'Isle sont bordés d'Ormes.

Madame de Sévigné venait en diligence et prenait cette route pour aller à Fontaine de Vaucluse.

René Char, poète y est né le 14 juin 1907 dans sa propriété du Névons à l'Îsle sur la Sorgue et y vécut. Son père était Maire de l'Îsle-sur-la-Sorgue à partir de 1905. Il troqua sa plume contre les armes et devint chef de maquis. A l'automne 1946, il accueillit Albert Camus pour lui faire visiter le Vaucluse. Valentine Hugo, Picasso faisaient partie de ce cercle.

Depuis trente ans, l'Îsle est devenue attractive. Chaque année, antiquaires et chineurs s'y retrouvent pour le week-end de Pâques et pour le 15 août.

C'est à table que je chine le plus, j'appelle la Providence pour être l'unique spectateur de ce spectacle unique. Je suis attirée par cette foule et j'explore tout ce qui prend place autour. La vie est livrée à ma curiosité, je cherche à être surprise par ce monde bigarré.  Les femmes dont la cinquantaine germe prennent de l'élégance, une majesté polychrome. Elles habitent leur corps.

Les plus accomplis sont les italiens. Ils sont merveilleux, ils ont devant eux une carrière d'acteur. On peut les considérer comme les plus beaux car les plus expressifs.

Cette masse ondule avec le même profil, la même spatialité vitale des corps. L'âge, c'est le charme d'Adam et la tragédie d'Eve. La figure de l'homme s'imascie avec l'âge et prend de l'allure ; tandis que la femme perd la grâce du jeune âge. Elles portent la toilette et cherchent à s'égaler à un beau corps de statue. Elles ne renoncent à rien côté vestimentaire. Elle a une façon de s'assoir, de tendre son cou, d'offrir un vrai sourire et de porter attention. Elles vous regardent donc et vous finissez par vous sentir la personne la plus intéressante. Elles arrivent à séduire n'importe quel sexe. C'est çà la virtuosité des femmes !

De même, si l'on poursuit leur trajectoire, ils sont en relation l'un avec l'autre. Les mouvements des bras et des mains sont différents suivant les personnages et dans le couple.

Le temps s'écoule, je saisie les regards. Au moins un, puis deux... Qui sont ces femmes aux membres nerveux, aux doigts effilés et à la chair douce. Je suis toujours au même endroit, je m'oublie, mais la présence du serveur qui me propose un café me ramène à la réalité.

Je ne suis plus qu'une spectatrice passive.

Sur le Quai Jean-Jaurès, le Nego-Chin donne l'illusion des tableaux de Monet. Cette barque à fond plat est l'embarcation traditionnelle qui sert pour la pêche ou la chasse dans les marais.  Elle est légère, rapide et extrêmement maniable. Elle est typiquement provençale malgré qu'elle donne un air asiatique.

Je ne cherche pas à vous vendre cette image, mais si vous y allez le premier dimanche d'août, vous pourrez admirer le marché flottant aux fleurs sur un air de "Coupo Santo", pour clôturer la cérémonie. Il offre une farandole de couleurs et sa production locale. Vous appelez et, à l'aide d'une perche, les bateliers accourent pour répondre à votre demande.

Mi-juillet, il y a la pêche d'Antan, spectacle offert par la Confrérie des Pescïares Lilen (pêcheurs lislois) qui ont le droit exclusif de pouvoir pêcher de la source jusqu'au Rhône, privilège accordé depuis le 31 juillet 1237. Il ouvre le droit de pêche de la source à Fontaine, jusqu'à l'embouchure du Rhône. Ces traditions séculaires permettent de s'alimenter en poisson comme truite, ombre commun, anguille, langoustine, écrevisse ou petite friture. Les pêcheurs manient avec dextérité ces embarcations qu'ils propulsent grâce à une longue perche (gaffe ou paterre). Précises mais peu stables malgré leur longueur de 5 mètres, c'est de l'origine de son nom "noie chien", en provençal. Ils crestent la truite ou l'attrapent à la main. Une prière est faîte à "Notre Dame de la Sorguette" afin d'implorer que les récoltes futures soient aussi bonnes que celle de l'année en cours. Les truites sont bénies lors de la messe.

Le 15 août est aussi un moment important pour l'Isle-sur-la-Sorgue. Bien sûr, il y a la brocante, mais également les joutes.

La Sorgue se divise en de nombreux bras façonnés par la main de l'homme qui font apparaître la ville comme une multitude d'îles, d'où le surnom de Venise Comtadine. Autrefois, c'était des marécages, dans la plaine (les paluds) formée de limon, qui furent asséchés par la construction des canaux. L'eau reste cachée longtemps, elle traverse un vaste réseau souterrain et jaillit subitement au gouffre de la Vallée Close à Fontaine de Vaucluse. De là, l'eau court, constante et rigole.

Elle reste à une température fraîche et ses eaux sont courantes malgré une pente quasi nulle. La végétation (la berle, épiaire des marais, la renoncule aquatique, le potamot) développe un écosystème qui permet de conserver une bonne oxygénation.

Au niveau du partage des eaux, les berges sont un atout pour les pique-niques et grignoter des bouts de bonheur. L'ombre des platanes favorise la sieste.

Entre Velleron et l'Isle-sur-la-Sorgue, jaillit une source d'eau minérale à 15° C. C'est au XVIIIème siècle que les eaux minérales de Velleron trouvent leurs renommées et un établissement thermal connu sous le nom de "Notre-Dame-de-Santé" fut en service jusqu'à la fin du XIXème siècle. Il traitait, entre autres maladies, le diabète, les rhumatismes et les maladies du foie...

A lire, si vous le trouvez à la brocante :

René CHAR "Fureur et Mystère" 1948

Bibliographie

Foire à la brocante, samedi 19 avril 2014

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Traduction  : Français,  Allemand, Anglais, Arabe, Hollandais 
Parution : lundi 21 avril 2014
Mise à jour  :  21 avril 2014
                                         

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